With Jon Ginoli, talking friendly (Pansy Division - That's So Gay)

CLXXXIII
"I heard what you said, just a figure of speech
If you meant nothing by it, practice what you preach
The next time you say it you'd better think twice
Some pissed off faggot might not take it too nice"

THAT'S SO GAY

Pansy Division

That's So Gay

Alternative Tentacles

2009

Read the interview in English here: Radio Rockin'

En la esquina de Mission y Capp en San Francisco hay un minúsculo parque no muy frecuentado por los lugareños, que prefieren tumbarse al sol en las laderas del cercano Dolores Park, frente a una de las más impresionantes vistas de la ciudad. Pero fue en ese lugar apartado donde Jon Ginoli propuso reunirse. Yo le había pedido una entrevista antes de que salir camino a los EE.UU. y no había tenido respuesta hasta que estuve unos días en San Francisco.

 

Había dejado de pensar en la posibilidad de conocer a uno de los frontmen que más adoraba. Pero las cosas suceden: me hallaba en la biblioteca pública de San Francisco explorando la sección dedicada a temas LGBT cuando me encontré con la autobiografía de Jon Ginoli, que empecé a leer inmediatamente. Después de dos horas tuve que marcharme y tan pronto como llegué a mi apartamento recibí un e-mail suyo pidiendo disculpas por el retraso en la respuesta y ofreciéndome amablemente su tiempo para una entrevista exclusiva para Radio Rockin' que finalmente tuvo lugar dos días después. El tiempo adecuado para que yo pudiera terminar su libro.

Y allí estaba yo, sentado en uno de los únicos tres bancos del parque más pequeño de la ciudad, para hablar con el líder de Pansy Division, probablemente la banda de rock más gay de Estados Unidos cuando ser una banda gay significaba tener todos los problemas por delante para llegar a ser realmente grandes. Hablamos de música, de activismo, de política y de la vida en general, y estoy orgulloso de compartirlo con todos vosotros.

Romper el hielo fue fácil ya que sabía que había recorrido España con Pansy Division. Jon quiso saber de qué lugar de España venía.

RadioRockin: Valencia [más fácil decir Valencia que Castellón, en estos casos en que no quieres perder el tiempo en demasiadas explicaciones geográficas]

Jon Ginoli: Cuando he estado en España sólo he estado en la parte noreste, o sea Bilbao, Barcelona, Valencia y Madrid.

RR: ¡Y Tomelloso!

JG: ¡Y Tomelloso! Ese fue un gran club en Tomelloso, a cargo de unos fanáticos de los sesenta. ¿Has estado allí?

RR: No, pero sé que es un lugar pequeño, ciertamente no es el lugar al que una banda de rock iría a tocar...

JG: No sé si ese club está todavía allí, pero en la pantalla del televisor del club tenían copias piratas de los programas de televisión estadounidenses de los 60, bandas de rock en programas de televisión, y era increíble, era un club increíble que me alegro de haber visitado. Pero hay mucha España que nunca he visto que me gustaría ver algún día. Luis, nuestro batería, estuvo de gira con El Vez (el Elvis mexicano) y sé que tengo que ir por toda España, sé que él fue a La Coruña, San Sebastián ... lugares a los que nunca he ido.

RR: Eso es parte de vuestras giras, pero ¿qué pasa hoy? ¿Está Pansy Division todavía en punto muerto?

JG: La situación de Pansy Division durante los últimos cinco años es que no todos nosotros hemos estado viviendo en la misma parte del país. Hasta hace cinco o seis años solo Chris se había mudado a Los Ángeles, pero todos los demás aún vivíamos en el área de la bahía y Luis había querido vivir en Nueva York desde hace mucho tiempo por lo que se trasladó allí en 2008 y luego Joel se mudó a Boston en 2009. Así que con dos chicos en la costa este y dos en la costa oeste y ninguno de nosotros en la misma ciudad se hace muy difícil que la banda funcione como tal, pero aparte de eso es que la banda realmente se había convertido en un hobby, no estábamos ganando mucho dinero con ello, pero tampoco era realmente lo que buscábamos. Todo el mundo quería seguir adelante con sus vidas y hacer nuestras carreras y era divertido tener a Pansy Division impidiendo que eso pasara por un tiempo porque teníamos bastante éxito. Pero en realidad nadie quería vivir su vida en las carretera, durmiendo en sofás, utilizando sacos de dormir o durmiendo en el suelo ... A largo plazo, fue muy divertido hacer una gira por un tiempo, y lo hicimos durante cinco años, cuando la banda era nuestra ocupación a tiempo completo, pero es bastante agotador. Creo que yo quería seguir más que los otros, pero en un cierto punto te tienes que parar y decir: '¿Por qué estoy haciendo esto si sólo estoy haciendo esto todo el tiempo?' Porque nuestra audiencia era de tamaño mediano, no eran grandes multitudes, pero siempre esperas que algo grande puede pasar ... y que ya nos había sucedido una vez, así que cuales eran las probabilidades de que eso ocurriera de nuevo? Bastante pequeña. Pero hemos seguido tocando, en la década de 2000, creo que hicimos una gira, en 2002, 2003, 2007 y la última gira que hicimos fue en 2009. Desde entonces, a causa del trabajo, nunca hicimos un tour así de nuevo, pero todavía tocamos de vez en cuando. La mayoría de nuestros shows tienden a ser en California ahora, debido a que los dos miembros que viven en la costa este son de California, por lo que podemos hacer shows juntos aquí y entonces pueden visitar a sus familiares y amigos, pero en algún momento tenemos como objetivo la costa este ya que ya hace cinco años desde la última gira por allí. Todavía podríamos hacerlo de nuevo, todavía hay interés en nuestra banda, pero no es suficiente interés como para que sea más que un pasatiempo. Seguimos juntos, pero ahora estamos hablando de ponernos a grabar nuevo material. La última vez que grabamos en estudio, grabamos en 2008 y el disco salió en 2009. Pero yo todavía escribo canciones, hago actuaciones en solitario a veces, que no me gusta tanto, aún así, lo disfruto, pero yo prefiero tener a la banda al completo dando caña.

RR: A pesar de eso, la banda logró publicar un gran álbum en 2009, That's So Gay, ¿cómo fue el proceso para ello?

JG: Lo hicimos antes de que la banda se disgregara. Justo después de terminar ese álbum, Luis se mudó a Nueva York un par de semanas más tarde ... tal vez ya se había mudado, se trasladó en 2008, así que terminamos aquí mientras estábamos viviendo en el mismo lugar. Hacer otro disco cuando no estamos todos en la misma zona va a necesitar de un poco de planificación, pero ahora ya estamos hablando de hacer otro disco juntos, porque yo tengo canciones. Muchas de las canciones que toco cuando salgo solo al escenario son canciones que serían de Pansy Division si la banda tuviera tiempo para aprenderlas, así que tengo un montón de canciones que han sido probadas con público y estaría bien que la banda se las aprendiera. Pero no sé cuándo sería eso, creo que en algún momento del próximo año, cuando podamos tener algo de tiempo para juntarnos y grabar. El último álbum fue inusual en el sentido de que fue grabado en tres periodos de tiempo diferentes, como cerca de seis meses de diferencia. Creo que podríamos necesitar lo mismo para el siguiente álbum; no vamos a llegar, sentarnos a tocar y grabar doce canciones del tirón. Pero creo que la otra vez hicimos cuatro canciones, siete canciones, y luego cuatro canciones para toda la grabación. Probablemente hagamos algo así de nuevo. Eso era inusual porque siempre habíamos sido una banda de conciertos y antes de ese álbum la mayoría de nuestras canciones se habían tocado en directo un montón de veces antes de que las grabáramos, por lo que el último álbum fue un experimento. Sin embargo, sin haber tocado la mayoría de ellas en vivo, resultó muy bien, estamos muy contentos de la forma en que quedó el último álbum. Pero es difícil vender discos hoy en día, hay menos ímpetu que nunca ... siempre lo hicimos por diversión, pero ahora lo haríamos exclusivamente por diversión, no vemos dinero en ello. Aunque cuesta dinero hacer un disco y que suene decente. Tenemos dinero ahorrado, por lo que lo podemos hacer cuando estemos listos para hacerlo, es sólo una cuestión de tiempo, pero sabemos que si sacamos un disco tendremos suerte si vendemos 1.000 copias. Incluso cuando éramos una banda popular nunca vendimos más de 25.000 copias, por lo que nunca fuimos una gran banda, pero esa cantidad todavía se puede considerar un buen número de copias y eso nos hizo ir de gira por todo el mundo.

RR: Hablando de la música y el activismo, ha sido siempre difícil trazar una línea entre ambos temas. ¿Alguno de ellos estaba por delante del otro?

JG: No, fueron creados y imaginados juntos. No tenemos muchas canciones políticas de esas que se pasan de moda inmediatamente. Hay unas pocas, es decir, cuando repaso las 120 canciones que hemos hecho, creo que hay una media docena de ellas que parecen algo obsoletas ahora, y su momento ha pasado. Y ahora, cuando shows en solitario toco una vieja canción de Pansy Division que no he tocado en mucho tiempo habrá siempre alguna referencia que revelará su edad. Por ejemplo, en Sidewalk Sale, que todavía me gusta tocar, hay un verso que dice "de un lado a otro del espació lleno de humo". Ya no hay tal cosa, no hay "espacios llenos de humo" en los bares gay de América, se han aprobado leyes al final de los años 90 y principios de 2000 y ahora cada lugar tiene un lugar para fumar ... así que hay pequeñas cosas como esa que muestran su edad, pero la política no se establece para que se desfase rápidamente, aunque si el matrimonio gay realmente se convierte en legal en todos los Estados Unidos como lo ha hecho en España, entonces tal vez nuestras canciones puede quedar mucho más desfasadas y ser vistas como una cuestión más histórica.

RR: Mirando hacia atrás en el tiempo, cuando viniste de Peoria, Illinois ... ¿Todavía te consideras un refugiado en California?

JG: No, esta es mi casa ahora, pero una de las cosas que es diferente ahora con internet es que ya no tienes que ir a la gran ciudad a descubrir las cosas. Las grandes ciudades son diferentes, sin duda, me alegro de no estar viviendo donde solía vivir porque es una ciudad más pequeña, pero creo que Internet hace que el mundo sea más pequeño, y al mismo tiempo San Francisco ha cambiado tanto .... En los últimos dos, tres o cuatro años San Francisco se ha hecho extremadamente caro, han aumentado exponencialmente los alquileres, que son más o menos el doble de lo que eran hace cuatro años, tal vez más del doble, por lo que cualquier persona gay joven con ganas de venir a la gran meca gay de San Francisco no puede hacerlo a menos que tenga un trabajo en el que gane 100.000 dólares al año.

RR: Eso no pasaba cuando llegaste aquí...

JG: Hubo un período en los años 70 y 80, donde la gente salía de las grandes ciudades para mudarse a los suburbios y en los años 90 las cosas comenzaron a cambiar, pero cuando me mudé aquí en 1989 había viviendas vacías por todas partes y eran baratas. Anoche me encontré con alguien que conozco que se había trasladado aquí a mediados de los 90 con una mochila y cuarenta dólares y encontró un lugar para vivir y, finalmente, prosperó y le fue muy bien. Ahora no se puede hacer eso, es casi imposible. Tienes que tener dinero, realmente no se puede encontrar un lugar para vivir aquí. Puedes vivir en Oakland, al otro lado de la bahía, que es más barato, pero incluso allí es cada vez más caro y eso que solía ser una ciudad muy pobre y partes de ella son todavía muy pobres ... Ahora esas personas no tienen a dónde ir, les están siendo forzando a salir de Oakland. Es sólo un problema de la sociedad en general con toda esta disparidad en los ingresos. San Francisco siempre ha sido una ciudad liberal: ha votado en contra de Reagan, votó en contra de los dos Bush, pero esas políticas tributarias nos han afectado tanto como en cualquier otro lugar, a pesar de que la economía es buena, de nuevo, tienes que ser rico para vivir aquí. Tengo la suerte de tener un apartamento -no voy a entrar en la historia de cómo se puede no ser rico y vivir aquí- pero básicamente se trata de tener un apartamento donde el alquiler está fijado desde años atrás. Así que San Francisco está claro que es una meca gay, y va a seguir siéndolo, pero es un tipo diferente de ciudad ahora. Las personas más jóvenes que se han venido aquí en el pasado y cambiado la ciudad en cierta forma, ya no pueden venir ahora. Así que la ciudad la están cambiando los ricos, algunos de los cuales son gays. Esas son las nuevas personas homosexuales que pueden moverse y vivir aquí, y algunos de ellos son mis amigos, pero no hay manera de que gente como yo puedan venir aquí ahora. Y eso es triste porque San Francisco tiene una cultura. Creo que hay tres ciudades en América que son muy diferentes del resto del país: Nueva York, Nueva Orleans y San Francisco y en esas ciudades hay algo único que no se puede duplicar en otros lugares y esa es una de las tragedias de la forma en que la ciudad ha cambiado aquí. Todavía es una gran ciudad, pero ya no puedes formar parte de ella a menos de que ya estés dentro.

(Continuará)

Improvised steps (Keith Jarrett - The Köln Concert, Part I)

CLXXXII 
(...) 

THE KÖLN CONCERT, PART I 

Keith Jarrett 

The Köln Concert 

ECM 

1975

(ENGLISH AHEAD) No hace falta ser un apasionado del jazz para sentirte transportado, ni siquiera ser un fan de la música clásica para conmoverse. No hay que ser un aficionado a la música de piano para apreciar su magia. Y yo solo me siento feliz de considerarme una de las millones de personas que sienten reconfortadas cada vez que escuchan esta obra maestra.

La famosa improvisación de Keith Jarrett comienza con un piano suave y agradable que va pasando de romántico a triste cada par de notas, haciendo casi imposible anticipar lo que viene a continuación. La pieza de 26 minutos, a la vez que el resto del concierto, recrean mucho más que el estado de ánimo de un pianista en media hora. Sus constates idas y venidas atrapan tus recuerdos y desatan una cascada de emociones sea cuando sea que lo estés escuchando. Esta música se convierte en parte de ti como lo son las partes de tu vida que la pieza evoca. Algunos de los caminos de aquella son igual de improvisados, la senda que tienes enfrente es a veces igual de impredecible, pero entre los momentos confusos y los ratos de júbilo, siempre hay un par de acordes inesperados que me provocan una reconfortante sonrisa en la cara.

Cada poco tiempo a todos nos toca improvisar, sentarnos en nuestro taburete frente al piano, mirar fijamente el teclado y comenzar a tocar esa melodía que te acaba de venir a la cabeza. Puede que tengamos que pensar unos segundos hasta decidir qué tecla va a ser la primera en sonar, pero no tenemos ni idea de cómo va a acabar la pieza. Nuestro único compromiso es no dejar nunca de tocar.

You don't have to like jazz to feel transported, not even be a classical music fan to feel moved. You don't particularly need to be fond of piano music to appreciate the magic in it. I just consider myself happy to be part of the millions of people who get uplifting emotions every time they listen to this masterpice. 

This improvised work by Keith Jarrett starts with some gentle pianowork that swifts from romantic to sad every two notes, making it hard to anticipate what will come next. The 26-minute-long piece -and the whole concert as well- recreate much more than a particular half-an-hour state of mind of a particular piano player. Its constant ups and downs trap your memory and trigger off a waterfall of emotions no matter when you are listening to it. All in all, the whole track becomes part of you just as the bits of life it recalls are. Some of our paths are just as improvised, the way ahead is just as unpredictable, but inbetween confused times and joyful spells, there's always a couple of unexpected notes that pull a comforting grin on my face.

Every now and then we all have to improvise, sit on our stools, face the keyboard and start playing a newly thought tune. We may have a few seconds to decide which keys to play first, but we have no idea how the tune will end. The only commitment is never to stop playing.

LINKS:

Keith Jarrett unofficial: www.keithjarrett.org

San Francisco Days, part III (Nils Frahm - Ambre)

CLXXXVII
(...)

AMBRE

Nils Frahm

Wintermusik

Sonic Pieces

2009

Desde que en el año 2010 pude asistir a la representación del Grupo Corpo en el marco del Festival de Edimburgo, mi concepto de espectáculo ha cambiado bastante. Básicamente porque tal representación me resultó una experiencia más que emocionante, un verdadero alimento para el alma, epidérmicamente conmovedora. Rotas pues las barreras y los prejuicios contra la danza contemporánea, solo una luctuosa coincidencia me impidió volver a ver al grupo Corpo en su visita a Barcelona en 2012. Una pequeña frustración que he estado intentando superar desde entonces en busca de una experiencia similar.

En eso que aterrizo en San Francisco y se me ofrece la posibilidad de asistir a un espectáculo de danza contemporánea a cargo de la compañía Post:Ballet de Robert Dekkers. Y allá que me voy, al teatro del Yerba Buena Center for the Arts, en pleno centro de la ciudad, junto al MOMASF. Ciertamente, cuando uno espera repetir una experiencia que resultó muy placentera, en cualquier ámbito de la vida, lo más normal es que nunca quede satisfecho del todo, y eso pasó. Pero no dejó de parecerme una actuación sobresaliente. De los tres números del espectáculo titulado globalmente High Five (field the present shifts, Mine is Yours y ourevolution) me impactó especialmente la última. Por desgracia, en youtube solo se pueden encontrar fragmentos de los dos primeros. Y digo por desgracia porque las palabras no pueden explicar las sensaciones. Para crear este número, el director reunió a los bailarines y les preguntó si accederían a colgar en la red una foto de la compañía posando desnuda, al tiempo que les mostraba fotos de otras compañías que ya lo habían hecho. La conversación que se mantuvo fue grabada y luego usada de manera que los bailarines se movían por el escenario acercándose y alejándose de las personas que en la grabación hablaban según estuvieran más o menos de acuerdo con sus palabras. La intención del director era reproducir lo genuino de esa conversación mediante cambios espaciales provocados por las emociones al tiempo que subrayar la vulnerabilidad de opiniones y personas en ella. Difícil de expresar, pero objetivo conseguido.

Y aquí viene la sorpresa. Como casi siempre, uno pasa por el programa de mano un poco por encima, y más si como el que nos dieron, es largo y exhaustivo. De manera que, cuando comenzó la tercera pieza y comencé a escuchar la música elegida para el número, un resorte mental me indicaba que aquello que sonaba me era familiar, así que abrí el programa y un nombre hizo clic: Nils Frahm. Había escuchado a Nils en el Casino Antiguo de Castellón cuando fui a disfrutar de la música del artista local Rauelsson. Allí estaba Nils, al que no conocía, y su piano. Solo tocó un par de piezas, suficiente para reconocer su extraordinario potencial y su especial sentido de la belleza.

Ambre es una de las primeras composiciones de Nils Frahm, un músico alemán con base en Berlín cuya música no ha dejado de evolucionar desde entonces, con trabajos de base más electrónica y más riqueza de arreglos. Pero yo me sigo quedando con el impresionismo de este tema, con su extraña capacidad de evocar los paisajes más melancólicos en los que se cuelan pequeños haces de luz que van iluminando lentamente pequeños espacios y que desaparecen casi al instante. Que duda cabe de que la unión de la música de Nils y la danza de Post:Ballet no podía dejar a nadie indiferente.

San Francisco Days, part II (Mosh - Empress)

CLXXXVI
(...)

EMPRESS

Mosh

Empire

Autoeditado / Self-released

2013

Midori es una performer nacida en Tokio pero instalada ahora en San Francisco cuyos trabajos provocan una inmediata reacción en el público. Lo que le fascina es dar forma y textura a las emociones y a la memoria. He de confesar que hace un par de días asistí por primera vez a una de esas manifestaciones de arte contemporáneo llamadas performances, y fue realmente emocionante. En la sala Samsung del Asian Art Museum de San Francisco, la artista, enfundada en un kimono algo desaliñado y con el peinado visiblemente enmarañado, realizaba esculturas humanas sobre los cuerpos cuasi desnudos de un hombre y una mujer. Estos cuerpos, en constante pero suave y delicado movimiento eran el receptáculo perfecto sobre los que Midori combinaba flores (ikebana), cuerdas (bondage) y pintaba con tinta (sumi) para acabar uniéndolos en una perfecta armonía que partía desde la arbitrariedad, el caos y la intución. Evoco es un espectáculo de casi dos horas de continuo movimiento a cámara lenta en la que los cuerpos se van transformando en plantas andantes, en animales atrapados, en estatuas de colores que provocan, como el nombre del espectáculo anticipaba, una constante interrogación en el espectador y un deseo de comprender que en este caso es, para mí, lo de menos, pues el disfrute estético te produce más satisfacción que las posibles respuestas que se puedan encontrar. Quizá nuestro desconocimiento de culturas tan lejanas, ancestrales, ricas no nos ayuda a ver más allá del exotismo de la propuesta, pero me quedo tranquilo al pensar que todos los presentes disfrutamos de una experiencia incuestionable: la belleza.

Durante toda la presentación, un dj de rasgos asiáticos pinchaba música trance en lugar de las esperadas melodías de cuerda japonesas, lo cual añadía un contraste más al espectáculo. De la combinación entre el exotismo de la música asiática y la electrónica sabe mucho Adam Bignell, un canadiense de Alberta bajo el pseudónimo de Mosh, que no hubiera desentonado nada como fondo musical con este tema que abre su último disco Empire. Otro vehículo para la evocación.

San Francisco Days, part I (Andrew Bird - Pulaski At Night)

CLXXXV
"I paint you a picture
Of Pulaski at night
Come back to Chicago
City of light"

PULASKI AT NIGHT

Andrew Bird

I Want To See Pulaski At Night EP

Grimsey Records

2013

Llegué a San Francisco desde Chicago algo frustrado porque dejaba la ciudad del medio oeste el mismo día que comenzaba el Festival de Lollapalooza, así que me dispuse a buscar por la red información sobre festivales en la ciudad californiana para poder reaccionar a tiempo si había una actuación interesante. En tres minutos di con el Stern Grove Festival. Una cita que, para mi asombro, viene ocurriendo todos los veranos en la ciudad desde hace la friolera de 77 años. De nuevo frustración al ver que por tres días me había perdido la actuación de Rufus Wainwright, pero respiré aliviado al comprobar que en dos días podría disfrutar de otro peso pesado de la música, en este caso de la escena indie-folk, como es Andrew Bird. Y además, como todas las actuaciones del festival, a coste cero. 

El lugar en el que se celebra el festival no puede ser más idílico. Un escenario seminatural, enclavado en una hondonada del bosque de Stern Grove, rodeado de altísimos eucaliptos, donde llama la atención la magnífica organización del evento y el más que civilizado comportamiento de los asistentes, habida cuenta de que se trataba de una actuación gratuita. ¿Os imagináis el caos que se podría montar en otras latitudes…? Aunque llegamos algo justos de tiempo, todavía logramos acurrucarnos entre dos piedras en las gradas y tras unos teloneros que experimentaban demasiado con el folk-progresivo, Andrew salió a escena solo con sus instrumentos, programando uno tras otro sus loops en el ordenador y regalándonos dos sutiles piezas marca de la casa. Inmediatamente después apareció su banda de apoyo The Hands of Glory y la cosa tomó un rumbo menos alternativo, a veces descaradamente country y otras delicadamente jazzy. Yo estaba esperando escuchar el tema con el que conocí a Andrew, el magnífico Oh no! -que no sé si interpretó en el bis, ya que decidimos adelantar la salida y evitar colas para coger el autobús de vuelta- pero Andrew me sorprendió con otra canción. Resulta que curiosamente, Bird es de Chicago, algo que desconocía y que él mismo comentó en la introducción del tema, así que presté una especial atención al mismo. Perfecta melodía, encantadora conjunción de sonidos de cuerda, excelente violín, emocionante letra y pegadizo riff. Redonda. Tanto, que no me la he quitado de la cabeza desde entonces. Al final ha resultado ser el perfecto momento de transición entre estas dos ciudades. Seguro que regresaré a Chicago, aunque por lo pronto, gracias a San Francisco por recibirme de esta bucólica y apasionante manera.

Enlaces/Links:
Andrew Bird's official website: www.andrewbird.net

The Chicago Chronicles, part III (Lesley Ann Warren - Chicago, Illinois)

CLXXXIV
"Trendy trav'lers tend to talk
Of London, Paris, Rome, New York,
Like only they were stylish and unique.
But out in the Midwest
Is the city I love the best"

CHICAGO, ILLINOIS

Henry Mancini/Leslie Bricusse 

Victor/Victoria Original Sountrack 

Rhino/Wea/Sony Music 

1982 

Acostumbrados como estamos a pensar que los Estados Unidos son una cosa, resulta que también son la otra. Dicho de otro modo, no todo es tan malo. Es verdad que los europeos tendemos a criticar su consumismo y su imperialismo, y hasta su patriotismo desmedido. Pero es que ese patriotismo no tiene la misma raíz que, por ejemplo, nuestros nacionalismos trasnochados. Ellos se sienten orgullosos de una sociedad que premia el esfuerzo y que ofrece posibilidades para todos. Nosotros nos enorgullecemos de una estirpe antigua, de unos rasgos culturales ancestrales y de una identidad supuestamente formada a lo largo de los siglos a la que le debes reverencia por el mero hecho de haber nacido donde has nacido. Por otra parte, estamos hartos de escuchar a nuestros políticos decir que para salir de la crisis económica necesitamos fomentar la competencia en los sectores productivos. Pues bien, competencia aquí hay por un tubo.

La entrada de hoy trata de estos dos aspectos: la competencia y las posibilidades para todos. Si en España no estás satisfecho con tu compañía de telefonía, te cambias y ya está -no sin dificultades. En Estados Unidos también, y bien fácil que es. Hasta aquí lo que comúnmente entendemos por competencia. En norteamérica algo parecido pasa con las iglesias. Si te ocurre que eres gay y, aun así, por raro que parezca, eres religioso, cualquier iglesia en España te va a dar un poco por.. ahí. O eres católico apostólico romano o te va a acoger Rita la cantaora. En los Estados Unidos, si la iglesia de al lado de tu casa -que seguro que hay una- no es lo suficientemente gay-friendly o es furiosamente homófoba, no te preocupes, dos manzanas más allá seguro que encuentras una que vele por tu alma y además se muestre orgullosa de acoger en su seno a gente como tú. Son las llamadas "Welcoming Churches" ¿Hay o no oportunidades para todos? Gracias a que hasta las iglesias compiten entre ellas siempre hay una que te acepte -por desgracia, también las hay para los homófobos recalcitrantes. Pero, ¿no creéis que la Conferencia Episcopal Española necesitaría una buena dosis de esta competencia? Lo digo sobre todo por los que profesen la fe cristiana, musulmana o judía... que no es mi caso. No obstante, ya me gustaría a mí encontrar carteles como estos esparcidos por nuestra geografía... aunque yo jamás entre en ninguna de sus iglesias.

  

El tema que he elegido no tiene nada que ver con lo de arriba, pero es que después de hablar de iglesias no me apetecía poner ningún tema sesudo. Así que volví a los clásicos y, por segunda vez en mi blog, regreso a Victor o Victoria, la magnífica película de Blake Edwards en la que, entre muchos números memorables está este de Lesley Ann Warren promocionando con su cuerpo las excelencias de esta ciudad según ella tan "chic" mientras el gángster para el que actúa se queda boquiabierto ante su exuberancia y descaro. Así que de las "welcoming churches" llegamos a esta "welcoming song", dos buenas razones para sentirte acogido en la ciudad del viento.

Enlaces/Links:
Lesley Ann Warren's official website
Henry Mancini's official page: www.henrymancini.com
Leslie Bricusse's official page: www.lesliebricusse.com

The Chicago Chronicles, part II (Simon and Garfunkel - So Long, Frank Lloyd Wright)

CLXXXIII
"Architects may come and 
Architects may go and 
Never change your point of view. 
When I run dry 
I stop awhile and think of you"  

SO LONG, FRANK LLOYD WRIGHT

Simon and Garfunkel

Bridge Over Troubled Water

Columbia

1970

(ENGLISH AHEAD) Acababa la entrada anterior evocando mi preferencia por las cosas terrenales en lugar de los altos vuelos. De eso vamos a hablar. Frank Lloyd Wright es el nombre, un arquitecto mundialmente conocido que tiene la desgracia de, como los cantantes o bandas míticas, haber tenido dos éxitos en el número uno de las listas y haber vendido muchos álbumes en los cuales se hallan verdaderas obras de arte que, por ser más pequeñas, han pasado desapercibidas. Ciertamente, el reconocimiento mundial de sus opera magna, la Casa de la Cascada y el Museo Guggenheim de Nueva York, es más que merecido, pero personalmente me he quedado gratamente sorprendido al conocer in situ una parte de esa gran porción de obras en forma de casas particulares que Wright tuvo el encargo de construir en las afueras de Chicago. No voy a hacer ninguna descripción detallada de ellas, sino a intentar transmitir las emociones -no todas positivas- que su visita me produjo.

En primer lugar, llama la atención cómo la sencillez de formas y líneas de los exteriores no anticipa de ninguna manera lo que encontramos en su interior. Aunque Wright juega con las alturas de los techos para crear sensaciones de contracción y dilatación de los espacios, sin embargo, la profusa utilización de la madera, los colores terrosos, con un casi completo olvido del blanco -que curiosamente explotó magistralmente en el Museo Guggenheim- y los juegos con la luz natural no dejan de transmitirme una cierta sensación de intranquilidad o, si así se desea, casi queriendo encontrar un lugar donde respirar profundamente sin pensar en los hallazgos técnicos de tal o cual estancia. Y es que todo genio tiene su porción de ego un pelín más alto que el del resto del mundo. Casi todo estaba diseñado para impactar al visitante. Wright ocultaba la entrada principal para estar obligados a rodear y observar la casa por sus cuatro costados antes de entrar en ella, con eso lo digo todo. O casi. Cuelgan en las paredes de una sala de su casa-estudio los dos pasaportes de Frank y su esposa, donde se observa cómo, pese a ser de la misma estatura, la de Wright excede en medio centímetro la de ella... cosas del ego.

No obstante, frente a estas sensaciones contrapuestas predomina la del equilibrio, la integración de la construcción con la naturaleza, el sentimiento orgánico, como si la edificación surgiera de forma natural del suelo, como una roca o un arbusto. De nuevo, algo que nos ancla a la realidad, al aquí y al ahora. Probablemente la mejor manera de vivir la vida. 

Por eso no me extraña que Simon and Garfunkel plantearan esta canción de una forma parecida, con un tema sencillo y delicado en la forma pero lleno de sorpresas en su interior. La riqueza melódica y los magníficos arreglos de influencia bossa nova de esta canción casi pasan desapercibidos entre la monumentalidad de otros temas de Bridge Over Troubled Water, y lo habrían hecho si no hubiera formado parte de este álbum totémico. Lo que Garfunkel no sabía es que Paul Simon, más que de Frank Lloyd Wright, quien había muerto 11 años antes, se estaba despidiendo de él -otro secreto que guarda el tema en su interior. De hecho Garfunkel, que le había sugerido a Paul que escribiera un tema sobre un arquitecto a quien este apenas conocía, supo de este secreto años más tarde. Una canción de despedida que, independientemente de a quien vaya dirigida, soporta el paso del tiempo tan bien como lo hace el más bello de los edificios. Y ahí queda, para la posteridad. 

In the previous post I was stating my preference for earthly things, for I am not a high-flyer. Let's talk about earthly things then. Frank Lloyd Wright is the name, a world-renowned architect who has the misfortune, like many legendary singers or bands, to have had two number one hits and to have sold many albums in which there are works of art that, because of being smaller, have gone unnoticed. Certainly, the global recognition of their opera magna, Fallingwater and the Guggenheim Museum in New York, is more than deserved, but personally I've been pleasantly surprised to learn firsthand of a large portion of private houses that Wright was commissioned to build on the outskirts of Chicago. I will not make any detailed description of them, but just try to convey the emotions -not always positive- that the visit provoked on me. 

First, it is striking to notice how the simple shapes and lines of the exterior of the houses do not anticipate in any way what we find inside. Although Wright plays with ceiling heights to create feelings of contraction and release of the spaces, however, the extensive use of wood, earthy colours, with an almost complete neglect of white -masterfully exploited later at the Guggenheim Museum- and the playing with natural light convey a certain feeling of unease or, if desired, almost a wish to find a place to breathe deeply without thinking of the technical findings in this or that room. It is said that all geniuses have their share of ego, even higher than the rest of the world. Almost everything was designed to impress the visitor. Wright hid the main entrance to force visitors to go around the house and watch all four sides before entering it, that says it all. Or almost. On the walls of one of the rooms in his studio-house hang two passports, Frank's and his wife's, which show how, despite being the same height, Wright's info exceeds in half an inch that of his wife's ... Ego stuff.

In spite of these conflicting feelings equilibrium prevails, also the integration of building with nature and the organic feeling, as if the building arose naturally from the ground, like a rock or a bush. Again, something to anchor us to reality, to the here and now. Probably the best way to live our lives. 

So no wonder that Simon and Garfunkel wrote this song in a similar way, a simple and sensitive track which is full of surprises inside. The melodic richness and magnificent arrangements of bossa nova influence almost went unnoticed among the monumentality of other tracks in the Bridge Over Troubled Water album, and would have been so if it had not been part of this totemic work. What Garfunkel did not know is that Paul Simon, rather than to Frank Lloyd Wright, who had died 11 years before, was saying goodbye to his colleague, another secret that the song hides. Indeed Garfunkel, who had suggested that Paul write a song about an architect whom he barely knew, found out about this secret years later. A farewell song that regardless of whom it is directed, stands the passage of time as well as the most beautiful buildings do. And there it is, for posterity.

Enlaces/Links:

Simon and Garfunkel's official website: www.simonandgarfunkel.com

Frank Lloyd Wright's Foundation

The Chicago Chronicles, part I (Sufjan Stevens - The Seer's Tower)

CLXXXII
"In the tower above the earth 
There is a view that reaches far 
Where we see the universe 
I see the fire, I see the end" 

THE SEER'S TOWER

Sufjan Stevens

Illinoise

Asthmatic Kitten

2005

(ESPAÑOL ADELANTE) Those visiting Chicago for the first time can't help looking up searching for the iconic silhouettes of the most famous skyscrapers in the world. Some visitors often forget that at ground level there is also a good deal of hotspots where to nourish themselves with tons of historic and cultural food. But it's inevitable; there are forces from nature that make us feel attracted to anything that goes up into the sky and... there it is, the Sears Tower.

The fact that today the name of the popular building has been turned to Willis Tower has not changed the deep emotional feelings that Sufjan Stevens' song provoke on the listener -though it has certainly spoilt the word play Sears vs Seer's. Climbing up to the Skydeck -apart from being a regular attraction for the thousands of tourists in the city- has other hidden meanings. The most evident being the wish to attempt to raise mankind higher than God or else to get on to the staircase that will take you face to face with Him. Such is the explanation that a religious guy like Sufjan would admit, but I am not a believer, though I must confess that upon reaching the top level of the tower I had a similar feeling of power over the rest of mortals. But it only lasted for seconds. As soon as I looked through the windows down onto the streets below I instantly saw myself reflected among the multitude of insignificant figures walking like insects that do their stuff without giving a damn about the hundreds of Gods standing 1,400 feet above their heads. I have no delusions of grandeur, I'd rather stand with my two feet on the ground.

Todos los que visitamos Chicago por primera vez no podemos evitar levantar la vista en busca de los más famosos rascacielos del mundo. Algunos visitantes incluso olvidan que a ras de tierra hay suficientes motivos como para darse un importante atracón de historia y cultura. Pero es inevitable, las fuerzas de la naturaleza nos hacen sentir una extraña atracción por todo aquello que se eleva hacia el cielo y.... ahí aparece, la Torre Sears.

Aunque ahora ha pasado a llamarse Torre Willis, el cambio de nombre no ha significado ningún cambio respecto a la profunda emoción que nos causa la canción de Sufjan Stevens -eso sí, le han destrozado el juego de palabras que había tras Seer's Tower (la torre del vidente) y el original de Sears (la empresa que encargó su construcción). La subida al Skydeck, además de ser la principal atracción de la ciudad, tiene también otros significados. El más evidente es el del deseo de elevar a la humanidad más alto que Dios o, en su defecto, subirse a la escalera que nos lleve a poder charlar un ratito con Él cara a cara. Esta sería la explicación que un tipo religioso como es Sufjan podría hasta admitir, pero yo no soy creyente. A pesar de eso, debo confesar que según llegaba al piso más alto del edificio tuve una similar sensación de poder sobre el resto de los mortales. Sensación que duró poco. Tan pronto como me asomé a las ventanas y miré hacia abajo, me vi instantáneamente reflejado entre la multitud de figuritas insignificantes que andaban a sus cosas cual insectos a los que se la traía muy floja todos aquellos cientos de dioses que les miraban desde más de 400 metros de altura. No tengo delirios de grandeza. Casi prefiero estar con los pies en el suelo.

Enlaces/Links:
Sufjan Stevens' website: http://asthmatickitty.com/artists/sufjan-stevens

Pasión ultracongelada (·Y· - Awake)

CLXXXI
"We'll die before surrender
 We'll fight until they fall
 Never surrender
 We'll stand until they're gone away"

AWAKE

·Y·

The Dance Of The Illusion

Burka For Everybody

2014

Buenísima sorpresa la de este dúo minimal, oscuro, frío como el hielo y capaz de hipnotizarnos con su synthpop ochentero. Ellos son Pau y Guille, son de Barcelona y se hacen llamar ·Y· (Ypsilon). Una letra, un símbolo, una denominación carente de emoción para una música más bien tirando a gélida, pero altamente adictiva. No sé si el synthpop ya es cosa de otras épocas y hoy en día la electrónica no anda por estos derroteros, pero sí sé del carácter irresistiblemente evocador de todo aquello que se parezca a los primeros Depeche Mode o Cabaret Voltaire.

The Dance Of The Illusion es un EP envolvente, de una pulcra producción, casi quirúrgica. No te va a poner de buen humor, pero es un excelente compañero para noches frías, aunque el tema que presentemos se titule Awake (Despertar) y haga constantes referencias a actitudes más bien reivindicativas, enfurecidas y apasionadas. Pero es que ahí está el asunto. ¿Música fría con mensaje lleno de pasión? No hay nada como despistar al personal.

Enlaces/Links:
·Y· official page: http://yyyy.bandcamp.com
·Y· on Facebook, Soundcloud, Bigcartel

¡Indígnate ya! (Riot Propaganda - El miedo va a cambiar de bando)

CLXXX 
"Exigimos que el gobierno se disuelva y entregue las armas"

EL MIEDO VA A CAMBIAR DE BANDO

Riot Propaganda

United Artists Of Revolution

Bola 9 y Riot Propaganda

2013

Ahora viene cuando mucha gente verá el vídeo y escuchará la letra y tachará de radicales, comunistas y violentos antisistema a los autores de la canción. Y de paso, a mí. Igual hasta algún seguidor se borra. Pues adiós. Habrá quien no entienda que la música es un arte y, de siempre, los artistas se han servido de esta herramienta para hacer(se) preguntas sobre el mundo en el que viven, provocar, remover conciencias, denunciar injusticias... Aquellos que se indignan ante un mensaje que recoge el sentir popular aunque sea duro, políticamente incorrecto, cargado de denuncia porque están instalados en uno acomodado, temeroso, burgués y vacío de compromiso no son de los míos.

Uno puede no estar de acuerdo al cien por cien con la forma, pero es incuestionable que el fondo del mensaje es compartido por la inmensa mayoría de aquellos a los que la crisis les ha dejado en una situación de vulnerabilidad nunca imaginada. Mucha de esta gente sale a la calle a protestar, muestra conciencia de clase y se manifiesta con libertad en contra de las injusticias propias y ajenas. A ellos se suman otros tantos que, no habiendo sufrido con tanta crudeza los efectos de la crisis, nos solidarizamos con ellos. Sin embargo, Riot Propaganda no habla para estos. Los destinatarios, más allá de los gobernantes, que sabemos que no escuchan, son esa masa de la población que, no contentos con que les pisoteen, les roben y les quiten derechos, vuelven a votar a sus verdugos. Personas que, por razones que me cuesta llegar a entender, viven y votan atemorizados por la versión oficial de los hechos: "no hay más remedio que hacer sacrificios, porque si no, España se hunde". 

La clase política sabe que el sistema que han creado les garantiza impunidad. Se han trasformado en una casta de intocables, alejados de la realidad del pueblo al que dicen representar hasta el punto en que se han hecho insensibles. Parapetados tras un búnker de plasma y de barreras antidisturbios, no sienten la angustia de la gente. Por ello hay que ayudarles a que se sientan humanos de nuevo, que la sensación de desesperanza, de desarraigo, de impotencia, de tristeza y de rabia vuelva a correr por sus venas de hielo. Nos haremos un favor a todos. Y no estoy hablando de usar la violencia, es más simple, a aquellos que ya han gobernado, nos han engañado y han sostenido un sistema corrupto por acción u omisión, NO LES VOTES. 

Los Chicos del Maíz y Habeas Corpus trazaron el eje Madrid-Valencia (dos puntos neurálgicos de la decepción y la indiganción) y se propusieron juntarse solo durante el 2013 para recorrer España con este y muchos otros mensajes en esa línea porque estimaron que debían hacer algo más. Desde sus convicciones y con el hardcore en la mano crearon Riot Propaganda como vehículo de expresión de en unos tiempos difíciles en los que todavía hay posibilidades de lucha y, cómo no, de victoria (como bien se explican en Hasta la victoria siempre). Les debía las gracias por la inspiración y por su compromiso. 

Vistos los anuncios, acomódense en sus sofás para disfrutar de la segunda parte de La Voz Kids.

Enlaces/Links:
Riot Propaganda: Bandcamp, Facebook
Habeas Corpus: Blog Oficial, Facebook, Myspace
Los Chicos del Maíz: Facebook, Myspace

The beauty in chaos (Loki Starfish - Broken Moth)

CLXXIX
"Why do I invoke this dying part of me?"

BROKEN MOTH

Loki Starfish

Broken Moth EP

Bragi Pufferfish

2013

(ESPAÑOL ADELANTE) Visually speaking, the image of an exhausted moth repeatedly hitting the glass of an incandescent light bulb is a powerful, yet disturbing picture. One wonders why such beings become so obsessed with the idea of getting closer and closer to a heat source that would eventually burn them away. This hypnotic view becomes a metaphor of too many recognizable bits of human behaviour.

It is precisely certain compulsive habits that we insist on what the song Broken Moth deals with. Such compulsion might take the shape of a sex encounter, a boozed up evening or a hazardous yet enchanting experience. The lyrics are playful in depicting both sides of desire, the luminous one but also the destructive one. We are many times driven to the chaos behind the vivid glow of burning lights. We could avoid it, but we wish to get burnt. So, why do we long for the killing flames? The track succeeds in stating this dualistic dilemma without clearly giving answers. Do we really need them?

Loki Starfish is a Paris-based electro-pop band that excels in the art of suggestion and chiaroscuro. They use dim atmospheres in their tunes while applying infectious bumpy beats to force the listener into feeling a multi-layered musical experience where nothing is one-way meant. Fad Gadget, The Chameleons or The Sound are but a few references that help define their style, but let us not overlook the fact that Loki Starfish have a sound of their own, a singular frontman -Jérémie Lapeyre's straight-forward live performances really convey the mystery behind their music-, and a successful blend of strength and fragility that eventually becomes the added value to their proposal. We are looking forward to their new album Stone From Fire Mountain, due in the current year, from which Broken Moth is the first EP.

Loki Starfish are searchers, new sound developers and true live performers. Aligned with the newest visual-art tendencies in France -each track in their previous album Love-Like Banners has been turned into a videoclip by emergent French directors- the band's overall project is aimed at people that are never happy with conventionalism and like to be questioned by art. If you are such kind of audience you will be delighted to enjoy the architecture of Loki Starfish: the art of building with pieces of flesh and soul a distorted house where the aching beauty can be found.

Visualmente hablando, la imagen de una polilla agotada de golpear repetidamente el cristal de una bombilla incandescente es una imagen potente, pero inquietante. Uno se pregunta por qué esos seres se obsesionan con la idea de acercarse más y más a una fuente de calor que con el tiempo puede acabar abrasándolos. Esta visión hipnótica se convierte en una metáfora de demasiadas condiciones reconocibles de la conducta humana.

Son precisamente ciertos hábitos compulsivos en los que insistimos sobre lo que trata la canción Broken Moth. Tal compulsión puede tomar la forma de un encuentro sexual, una noche de excesos etílicos o una peligrosa a la vez que encantadora experiencia. La letra juega con la representación de ambos lados del deseo, el luminoso y también el destructivo. Somos muchas veces impulsados ​​al caos detrás del vívido resplandor de las luces ardientes. Podríamos evitarlo, pero deseamos quemarnos. Así que, ¿por qué anhelamos las llamas asesinas? La canción consigue establecer este dilema dualista sin dar claras respuestas. ¿Realmente las necesitamos?

Loki Starfish es una banda de electro-pop con sede en París, que destaca en el arte de la sugestión y el claroscuro. Ellos usan tenues atmósferas en sus canciones, mientras aplican ritmos intensos e infecciosos para obligar al oyente a sentir una experiencia musical de muchas capas donde nada ese entiende de un solo sentido. Fad Gadget, The Chameleons o The Sound son solo unas pocas referencias que ayudan a definir su estilo, pero no debemos pasar por alto el hecho de que Loki Starfish tienen un sonido propio,  un líder singular  -Jérémie Lapeyre realmente transmite el misterio de de su música en sus actuaciones en vivo- , y una exitosa mezcla de fuerza y ​​fragilidad que con el tiempo se convierte en el valor añadido de su propuesta. Estamos deseosos de conocer su nuevo álbum Stones From Fire Mountain,  esperado para el año en curso, del cual Broken Moth es el primer EP.

Loki Starfish son buscadores, creadores de nuevos sonido y tienen un magnífico directo. En línea con las nuevas tendencias de arte visual en Francia -cada pista en su anterior álbum Love-Like Banners se ha convertido en un videoclip a cargo de emergentes directores franceses- el proyecto global de la banda se dirige a la gente que nunca están satisfecha con el convencionalismo y desea ser interpelada por el arte. Si eres este tipo de público estarás encantado de disfrutar de la arquitectura de Loki Starfish: el arte de construir con trozos de carne y alma una casa deformada donde encontrar la belleza doliente.

Enlaces/Links:
Loki Starfish's official site: lokistarfish.fr
Loki Starfish on Facebook, Twitter, Tumblr, Vimeo, YouTube, Soundcloud, iTunes

Best tracks of 2013 (Billy Bragg - Your Name On My Tongue)

CLXXVIII 
"Fear bears a strange courage 
It's a whole conspiracy 
The troops kneel down the path 
Your name on my tongue"

YOUR NAME ON MY TONGUE

Billy Bragg

Tooth and Nail

Cooking Vinyl

2013

2013 puede ser el año en el que más música he escuchado, o quizás el año en el que más bandas y artistas nuevos he descubierto, y eso me hace pensar que me he pasado todo el tiempo con los auriculares puestos. Hace poco leí una entrevista a no sé que cantante que decía que hace tiempo que no surgen grupos en España que aporten algo nuevo. No puedo estar más en desacuerdo, porque creo que nunca en este país -ni en el mundo entero- se ha hecho más música, o por lo menos, nunca hemos tenido tanto acceso a ella. Es cierto que hoy en día, si tienes una banda o si simplemente cantas bajo la ducha, puedes hacer llegar tus grabaciones a millones de personas en unos cuantos clicks. Y muchas veces, no siempre es la calidad de las mismas la razón de su posible éxito o fracaso viral. Como demuestran los recientes premios de la "industria" discográfica, el público sigue escuchando y comprando descargando los trabajos de aquellos artistas por los que los grandes sellos apuestan y en los que se gastan montones de pasta para promocionarlos. Una apuesta fácil, a caballo ganador. No voy a dar nombres, solo hace falta comprobar el palmarés de premios como los 40 principales o de los Grammy. Solo interesa aquello que se sabe que va a llegar a un gran público, generalmente poco ilustrado en clave musical y de gustos fácilmente manipulables.

Por eso, desde que me embarqué en la tarea de sacar adelante un programa semanal de música a través de Radio Rockin' tuve muy claro que debía alejarme de las listas oficiales de éxitos y de los nombres de relumbrón de la escena musical mundial. Gracias a plataformas como Reverbnation, Bandcamp (y, cómo no, Spotify) y a la labor de miles de bloggers cuya pasión por la música les ayuda a compartir hallazgos y sensaciones con el resto del mundo, hoy en día nadie se puede quejar de que no hay nada nuevo que escuchar. Eso sí, si esperas a que te lo ofrezca la tele, vas listo.

Dicho esto, el año pasado fue el de la búsqueda y el encuentro, más o menos casual con temas que me han acompañado cada uno de los días. Al final, no he podido resistirme a contraatacar con mi propia y ecléctica lista a esas otras oficiales que tan previsiblemente llevan en sus posiciones los nombres de Alejandro Sanz, Pablo Alborán y Malú o Beyoncé, Bruno Mars, Miley Cyrus o Katy Perry, según de qué país estemos hablando. Por eso quiero compartir con vosotros los temas que más me han tocado la fibra durante el año pasado. Una selección particular de un bloguero inquieto. Ni más ni menos.

40. Ellos vienen de Barcelona, se llaman '77 y de su disco de rock setentero Maximum Rock'n'Roll he disfrutado mucho con HIGHWAY REBEL.

39. El punkpop naïf y juguetón de Waldorf Histeria con una declaración de estado aplicable a media humanidad: PERDIENDO EL TIEMPO

38. Probablemente nos encontremos con la última canción que Miguel Ríos grabe en su vida, ojalá no, puesto que se ha retirado y esta la ha hecho expresamente para ilustrar su libro de memorias. De parte del maestro, COSAS QUE SIEMPRE QUISE CONTARTE

37. Los noruegos Tristania nos han dejado un buen regalo en forma de metal gótico. El Blanco más Negro, DARKEST WHITE

36. Aquí hago una excepción con el tema más radiado del 2013, lo más mainstream, y es que hay que reconocer que los Daft Punk lo han clavado con el temita, solo que a mí me ha gustado especialmente una de las cientos de versiones que se han realizado del mismo. Es un cover con instrumentos de orquesta más una bateria a cargo de Miracles of Modern Science. Cómo no, hablamos de GET LUCKY

35. La voz de Lena Hall con su banda The Deafening contiene en su disco Central Booking un pelotazo de buen hard rock llamado I'M SO BAD.

34. El bueno de Neil Hannon volvió este año a juntarse con Thomas Walsh para cantar sobre las excelencias del cricket y nos dejaron STICKY WICKETS abriendo el nuevo álbum de The Duckworth Lewis Method.

33. Desde Brooklyn, disfrutamos de la energía de otra voz femenina excepcional, se llama Bayli y este es su grupo The Skins. En 2013 nos dejaron DEAD HANDS

32. De Argentina llegan los gritos de otra fémina, Flor Mazzone, cantando con una inagotable actitud punk canciones sin filtro, locas, irreverentes y necesarias, como TU MAMI con Los Rusos Hijos de Puta.

31. Un poco de buen soul de parte del dúo revelación Lady, que interpretan magistralmente una belleza de tema titulado WAITING ON YOU

30. Un ejemplo de geek rock a cargo de la banda de Seattle Kirby Krackle. Si sabes inglés y quieres seguir el fraseo en el estribillo del adictivo GRANDMA'S HOUSE ya te garantizo el fracaso más absoluto.

29. Una sencilla y hermosa canción, una nana psicodélica a cargo del grupo Al Berkowitz, de su disco de rock alternativo A Long Hereafter/Nothing Beyond. Un tema para ponerse a soñar: MAGICAL CYNICAL

28. En Valencia hemos descubierto el pop-rock oscuro, oscurísmo, de Antiguo Régimen, una de las bandas revelación del año. Herederos del espíritu Joy Division, nos han hecho flipar con LA FORMACIÓN DE LA SOMBRA

27. Desde Galicia y con un ojo puesto en el rock clásico americano, un homenaje a Neil Young, Bob Dylan, Buffalo Springfield o The Band a cargo de Niño y Pistola. Su imprescindible álbum There's A Man With A Gun Over There se cierra con un guiño a la situación de crisis política que sufrimos actualmente con un "ya estamos hartos" de título WE'VE HAD ENOUGH.

26. Nos paramos en Castellón para escuchar a Lula, el grupo de Patricia Escoín, quien nos deja una maravilla pop-rock titulada L.

25. Un caramelo pop con toques electrónicos de una de mis bandas preferidas, los ingleses Everything Everything que nos ruegan que no intentemos ocultar nada en DON'T TRY

24. Desde tierras escandinavas, concretamente desde Goteborg, Suecia, noise pop del bueno, un sonido potente y lleno de fuerza y vitalidad. Se llaman Makthaverskan y esto es su país de los sueños: DRÖMLAND.

23. En Ciudad Real encontramos la mezcla perfecta entre stoner/garage y grunge a cargo de Brand New Brain, que han editado en 2013 el álbum Degeneración Espontánea, con infinidad de buenos temas de los que destaco ASFIXIA.

22. El metal menos ortodoxo se cuela en la lista con una mezcla de rock sinfónico y death metal de la mano de los californianos Shadow of the Colossus. Sorprende el curioso y poco convencional tema titulado ODYSSEY OF CURIOSITY

21. Desde Valencia, donde tienen la base un grupo de componentes internacionales llamado Megaphone ou la mort, hemos disfrutado de su álbum A Silent Language y sobre todo con su infeccioso CANDELA'S CLUB

20. Un cantautor tejano de nombre español pero un estilo reconociblemente americano. Un clon entre Ryan Adams y Johnny Cash que nos ha sorprendido con una preciosa balada titulada THE BAD DAYS. El es David Ramirez.

19. La propuesta punk más transgresora del año llega de Valencia. Con una voz que nos recuerda al recientemente fallecido Germán Coppini y el espíritu de Siniestro Total con un toque más camp, España interpone un CONTENCIOSO ADMINISTRATIVO CON UN PILOTO DE FASCISTA AIRLINES

18. En Charlotte, Carolina del Norte, se encuentra la banda Scowl Brow, que hace un punk rock heredero del sonido de gente como Green Day de cuyo álbum he selecionado el tema titulado CUM, que en inglés significa "correrse", pero cuya letra no tiene ningún sentido sexual, sino que es la crónica de una ruptura sentimental.

17. El primer tema que sonó en el primer programa de radio de What You're Missing allá por el mes de junio fue del bueno de Dallas Green que con su pseudónimo City and Colour ha lanzado nuevo disco en el 2013 y yo me he quedado multitud de veces con sed de esta canción: THIRST

16. Una leyenda viva del rock, Pearl Jam, con su nuevo disco Lightning Bolt, repleto de buenas canciones entre las cuales destaca la fuerza y energía marca de la casa de GETAWAY

15. Uno de los álbumes del año en España en mi opinión es un ejemplo de crossover, de unir rock y rap, además con gran acierto. Hablo de La Doble Fila y su Viernes de Rencor. De los múltiples temas que podrían estar aquí, elijo este por la fuerza y contundencia que transmite: DISFRACES DE MÁRTIR

14. Otros legendarios que se han reunido para hacer un disco que todos temíamos flojito y que ha sorprendido por su frescura y su fidelidad a lo que fueron los Suede de los buenos tiempos. La banda de Brett Anderson sigue dándonos con Bloodsports un ejemplo de profesionalidad con todo un pelotazo: HIT ME

13. Una canción que jamás sería un single pero para mí tiene todo para ser una buena canción a pesar de que es instrumental es AGUA VERDE, uno de los temas del disco French Ghetto de la banda californiana de math rock Strawberry Girls.

12. El excomponente de Sonic Youth, Lee Ranaldo se ha marcado un grandísimo álbum en 2013 con la banda The Dust y su primer single es todo un temazo, casi en una línea pop-rock que no le va nada mal: LECCE, LEAVING.

11. Nick Cave and the Bad Seeds, nuevo disco y nueva maravilla. Cómo no, el maestro en esas canciones que empiezan flojito para desencadenar una orgía al final nos deja un buen ejemplo de ello con JUBILEE STREET.

10. Uno de los temas más pegadizos y potentes del año. Los australianos Bellusira, con la voz de Crystal Ignite al frente nos dejan este título, CACHANGO, que todavía no sabemos lo que significa, ni falta que hace.

9. El mejor letrista del panorama musical español actual es Luis Pardo, sin duda, y él está al frente de su beatleiana banda Señor Mostaza, sacando discos inmensos sin que se les preste la debida atención. Este año hemos vuelto a disfrutar con Delitos y Faltas, y por eso no podía faltar un tema del álbum, precisamente el que le da título: DELITOS Y FALTAS

8. Seguimos con la galería de ilustres. Richard Thompson, incombustible rey del folk-rock inglés nos ha dejado este año Electric, un álbum donde nos muestra que está en plena forma y en el que nos ha deleitado con canciones tan hermosas como este WHERE'S HOME?

7. El primer disco en solitario de Johnny Marr, y que se llama The Messenger ha dejado muy buen sabor de boca, con temas que dejan bien claro por qué Marr era quien era en The Smiths. Temas tan evocadores como el que fue su segundo single NEW TOWN VELOCITY

6. Si ha habido un estribillo pegadizo en este 2013 ese ha sido el de la banda escocesa de punk 4 Past Midninght. Un grupo festivo, muy desenfadado, amante del punk y de los estribillos cantables y fácilmente recordables me han conquistado con ANY OTHER WAY

5. Un proyecto exclusivo del 2013 que nos dicen va a desaparecer tras su gira es el de Riot Propaganda, la unión de Habeas Corpus y Los Chikos del Maiz para denunciar y diseccionar las causas y los efectos de la crisis que está vapuleando a este país. Fraseos contundentes y punzantes en las GUERRAS PÚNICAS a ritmo de hardcore.

4. Los suecos The Kendolls hacen un punk-rock muy crudo y desenfadado, muy guitarrero y que en su disco Dirty Dogma nos han regalado una maravilla con muchos más matices de lo que venía siendo una canción clásica suya: ROSENLUND.

3. Ellos son la aspereza y la contundencia del rock con toques punk y metal. Maravillosas guitarras y acertadas voces y coros las que nos presentan la banda de Minneapolis They Dead en su trabajo Lizards All. Su tema estrella, ACTRESS.

2. Probablemente el disco del año nacional, el de los catalanes Tokyo Sex Destruction. Acertada mezcla de soul y latin rock, un sonido americano 100% y un uso magnífico de la sección de viento para subirnos el ánimo y eso que los americanos llaman groove. De su álbum Sagittarius, bailando sin parar con SEVEN SISTERS.

1. Este repaso totalmente personal a aquello que considero de lo mejorcito del 2013 se cierra con la canción que más nos ha puesto los pelos de punta este año, un preciosidad sencillamente emocionante a cargo de Billy Bragg, el cantautor inglés que nos ha dejado un álbum también sensacional, Tooth and Nail. Acabar con un buen sabor de boca siempre se agradece, por eso no podemos dejar de escuchar YOUR NAME ON MY TONGUE.