"La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión. Que la música sea el alimento del amor."
"Music is synonym of freedom, of playing what you want and how you want, as long as it's good and made with passion. Let music be love's food."
Kurt Cobain (1967-1994)

miércoles, 29 de junio de 2011

Standing Out From The Chaos (Retraplayer - Drinks In Helsinki)

XCIX
"Hide yourself or try yourself
Until you burn yourself
And find out what you should know"

DRINKS IN HELSINKI
Retraplayer
Drinks In Helsinki (single)
Retraplayer
2011

(ESPAÑOL ADELANTE) No project is easy to start. You have to believe in it and be determined in order not to give up. In addition, if your project is an artistic one, there's no way you can avoid the public's judgement, so it needs to be highly convincing. The path towards general recognition starts then at the values lying behind the whole stuff. In today's case, we are talking about being genuine, which involves a bunch of qualities such as honesty, distinction and independence. We're talking about Retraplayer.

It was the debut single The Observatory (2010) that immediately drew my attention to the Southampton-based band. I think that musically speaking, it's getting harder and harder to surprise the listener, especially in the indie scene. Most of the times, new artists become new faces playing old music, thus references and inspiration come up too soon over the listening, distracting you from enjoying the work itself since you spend the whole three and a half minutes trying to sort out the list of influences it contains instead. Well then, I'm happy to announce this does not happen with Retraplayer.

Perseverance has driven the band towards developing the seminal ideas into a more complex and richer musical statement. They have gone for writing genuine songs, experimenting with soundscapes and moods without turning their backs on their potential public. Instead of writing like mad to complete a set for a debut album, Retraplayer release their work in small capsules, for the audience to slowly enjoy them over and over and this way, they have started to raise the number of followers in slow but constant and strong progression. Drinks in Helsinki just goes to show a great deal of what I have just stated.



In this track, after a stunning and suggestive intro, commercial beats come up as the song goes by and by the end of it we get the overall impression that many different things have happened in three and a half minutes. Instrumentation, vocals and lyrics easily blend together to make a unity out of diversity. Just as much as it does in Broken Clocks and Submarines, two songs of which I can’t say less.

Submarines by Retraplayer

Broken Clocks by Retraplayer

We got lead singer Leon Briggs' collaboration to make up this post and we really appreciate his passing this questionnaire over to Phillip Pearson so the article gets really rounded off by their answers. Thanks guys. You really stand out from the chaos.

WHAT YOU'RE MISSING: When and how did Retraplayer come to life?

LEON BRIGGS: Around September 2008 Phillip Pearson and myself started writing songs together initially as a side project as we were both involved in separate projects. At this stage the music we were writing was mainly oriented towards an electro/dance/remix genre just basically to pursue a bit of a different avenue from what we were used to. I was involved in an indie rock band and Phil was producing hip-hop music for a few artists. We then started to use this opportunity to be a bit more experimental with our music and by February 2009 we took the decision to start writing songs that actually moved us as opposed to defining the project to one genre and so Retraplayer became our foremost musical pursuit. As our songs evolved we realised the need to recruit other band members so in September 2010 we were joined by Craig Dookie, Samuel Hallett and more recently Alex Binks on bass, to take our music out on the road and give a more diverse live performance.

Gig with Metronomy

WYM: What does the name of the band come from?

LB: We used to have a ridiculously old tape deck stereo that just sat there in the corner of the room when we were writing songs and it became a kind of mascot that we called the "Retro-player", and we often used it to listen back to old tape recordings of songs we made as kids and to get inspiration from tapes of old bands we had lying around. We then imagined a fictional device that would play music from the future and if you were to listen to those songs how it would actually influence you as opposed to music of the old. Thus we dreamt up the 'Retraplayer', (retra as opposed to retro) which kind of feels fitting as we began to draw our influences from new and current music being more moved and inspired by some of the new emerging independent artists coming through today.

WYM: Tell us about your opinion on today's world of musical industry. Are you aiming at the top-of-the-pops concept of a career? What is the band's design towards professional recognition?

LB: I think there is now so much opportunity for any musician to get their music out to the public that we are currently experiencing a bit of musical chaos where songs from all genres and backgrounds are being thrown into the pool. This musical diversity is great but the problem that comes with it is that not enough of it gets mainstream attention and so we're left with lots of amazing music out there that just doesn't get the recognition it deserves... on the flip side a lot of rubbish is out there in the mix so to discover new music you have to really go out and 'discover' it by trawling through new music blogs, going to see local bands in your area and generally making a big effort to discover something new, which is a natural given for people generally interested in music OR you can just be lazy and leave it to some music magazine editor to tell you what he thinks is cool...

PHILLIP PEARSON: I think that in today's industry environment the bands themselves have to be so much more business savvy than before in order to become successful. With the downturn in music sales and general income in the industry it seems labels and management companies are much less inclined to invest in bands unless they have already proved themselves as an investable project. Without the backing of the execs and "a&r" teams, band members are then often left to promote themselves, which as creative musicians is not always desirable, but thus necessary in order to push your music as far as possible before industry help becomes available. 
In terms of Retraplayer's aims I feel that we definitely would rather remain relevant and true to ourselves as opposed to making a quick buck off the back of the latest flash in the pan musical trend. We ultimately wish to stay around in the business in order to release multiple albums and tour as much and as far as we can. Of course to become commercially successful would be great but to just be paid musicians with a loyal fan base would be a success in our eyes.

WYM: Musically speaking, what makes you distinct?

PP: I think our music strikes a nice balance in that it has commercial appeal in terms of its sound yet if truly understood in terms of the songs lyrical and conceptual content it does have an inspiring undertone. Also I feel that a lot of our songs sound very current but yet contain a certain nostalgic feel. We also manage to mix a range of emotions up in single tracks and draw the listener in different directions which is always a good asset in songwriting.

LB: When hearing of a new artist for the first time I've always enjoyed eclectic albums that combine a lot of different elements. A lot of bands are told that to be commercially viable you need to find a great sound and create a whole album around that sound to give some kind of unified product. I think my problem is that I get bored so easily, I'm constantly changing my mind as to what sound I enjoy, so that kind of brings a continually fluctuating approach to our songwriting. We just start with an idea we enjoy and then develop it into a song in its own right rather than trying to make it fit into some cohesive mould.

WYM: About the lyrics, what sort of reaction do you wish to cause on the listener?

LB: Lyrics have always been an important part of the songwriting process for me. I like to see each song as a story or a concept, trying to either inspire the listener or open them up to some alternative perception. Whether its thought provoking or entertaining, for me a good song needs to use the words to convey a particular message rather than just being there for the sake of filling up some space. If not, then just let the music convey the message without any words!

PP: We tend to favour the more metaphorical and abstract end of the spectrum when writing lyrics, which can always be tricky as not to leave the listener with no idea of the songs concept! However, I think we don't over-complicate the message and still leave it accessible for the audience. A strong vocal line is really important in accompanying the words too to keep the interest in what is being said. Using lyrics that create visuals in the mind is also key to our work as seeing a song in your head rather than just listening to an arrangement of words and chords is much more enjoyable.


WYM: You've mentioned Phoenix, Yeasayer, Friendly Fires and Two Door Cinema Club among your influences. But, what are your non-musical influences? How much of each member's particular interests is there in your songs?

LB: People and their eccentricities, differences in social and political constructs, mockery, books... Anything that generates some sort of feeling I suppose. I'm interested in a lot of things, I just don't generally have the time or money to pursue them, so a lot of it is imaginary...!

PP: I'm very psychologically minded and am influenced a lot by people, their ways and how they act in the world. I spend alot of time walking with my iPod and getting inspired by the stuff I see on my rounds which I note on my phone with the outlook to potentially write a song about it. I'm quite nostalgic and I would also say I'm quite into esoteric subjects i.e. religions, philosophies and things that I don't fully understand, so I'm always researching in an attempt to understand new ideas. Although as Leon highlighted time doesn't always permit me to do this as much as I'd like to.

Ningún proyecto es fácil de comenzar. Has de creer en él y tener la suficiente determinación para no rendirte. Además, si tu proyecto es artístico, no vas a librarte del juicio popular, así que tiene que ser algo muy convincente. El camino hacia el reconocimiento empieza entonces a partir de los valores que subyacen en ese proyecto. En el caso de hoy, estamos hablando de ser genuinos, lo cual implica otras muchas cualidades, como son la sinceridad, la independencia y el hecho de ser inconfundible. Estamos hablando de Retraplayer.

El primer single The Observatory (2010) me llamó inmediatamente la atención. Creo que hoy en día es muy difícil sorprender al público con algo nuevo, especialmente en la escena indie. La mayoría de las veces, nuevos artistas aparecen pero hacen música demasiado oída, donde las referencias y las influencias saltan a la vista demasiado pronto, de manera que no disfrutas las canciones porque te pasas los tres minutos y medio pensando en todas las bandas a las que se parece. Pues bien, estoy encantado de anunciaros que esto no pasa con Retraplayer.

La perseverancia les ha llevado a desarrollar las ideas incipientes hasta una propuesta musical mucho más compleja y rica. Han apostado por hacer canciones muy distintas entre sí, y experimentar con paisajes sonoros y estados de ánimo sin darle la espalda al gran público. En lugar de ponerse a escribir como locos para conseguir un número determinado de canciones que conformen un álbum, Retraplayer nos ofrecen su música poco a poco en pequeñas cápsulas, para disfrutarlas lentamente. Y es así como han conseguido aumentar su número de fans de forma constante e irreversible. Drinks In Helsinki es solo una muestra de todo esto que os he venido contando.

En este tema, tras una intro emocionante y sugerente, vamos escuchando ritmos cada vez más comerciales según va avanzando y, llegando al final, tenemos la impresión de que han pasado muchas cosas en tres minutos y medio. La instrumentación, las voces y las letras se mezclan de manera que de la diversidad aparece algo único. Tanto como ocurre en Broken Clocks y Submarines, dos canciones de las que no puedo decir menos.

Para hacer esta entrada, hemos conseguido la colaboración del cantante Leon Briggs, quien ha tenido la amabilidad de pasarle este cuestionario a Phillip Pearson de manera que este artículo no puede cerrarse de mejor forma que con las respuestas de ambos. Gracias, tíos. Vosotros sí destacáis entre el caos.

WHAT YOU'RE MISSING: ¿Cuándo y cómo nació Retraplayer?

LEON BRIGGS: Hacia septiembre de 2008 Phillip Pearson y yo empezamos a escribir canciones juntos, inicialmente como un proyecto paralelo al que cada uno de nosotros teníamos por separado. En aquella época, la música que componíamos estaba orientada hacia un electro/dance/remix, principalmente buscando diferentes caminos a los que estábamos acostumbrados. Yo estaba en una banda de indie rock y Phil producía hip-hop para algunos artistas. Fue entonces cuando comenzamos a aprovechar esta oportunidad para experimentar más con nuestra música y hacia febrero de 2009 decidimos comenzar a componer canciones que nos conmovieran, en lugar de limitar nuestro proyecto a un solo género, por lo que Retraplayer se convirtió así en nuestra dedicación principal. Al tiempo que las canciones iban evolucionando nos dimos cuenta de la necesidad de reclutar a más miembros para la banda. Así que en septiembre de 2010 se unieron Craig Dookie y Samuel Hallett, y más recientemente, Alex Binks al bajo, con lo que ahora podemos ofrecer unas actuaciones más diversas cuando salimos de gira.

WYM: ¿De dónde viene el nombre de la banda?

LB: Solíamos tener un equipo de música antediluviano con una pletina en una esquina de la habitación donde componiamos que se había convertido en una especie de mascota a la que llamábamos “Retro-player”, ya que la usábamos para escuchar canciones que grabamos de niños o viejas cintas de bandas que estaban por ahí tiradas y que ocasionalmente nos servían de inspiración. Entonces nos imaginamos cómo sería un aparato que, en lugar de reproducir música del pasado, lo hiciera con la música del futuro, y de qué forma ésta nos influiría en nuestra música presente. Nos inventamos el nombre Retraplayer para ese aparato (“retra” como lo contrario a “retro”), y vimos que quedaba bien para la banda, ya que nosotros nos sentíamos más influenciados por la música de artistas emergentes que por la del pasado.

WYM: Contadnos cuál es vuestra opinion sobre el mundo de la industria musical actualmente. ¿Enfocáis vuestra carrera hacia un concepto basado en las listas de éxitos? ¿Cómo habéis diseñado el camino de la banda hacia el reconocimiento profesional?

LB: Creo que hoy en día hay tantas oportunidades para que un músico dé a conocer su trabajo al público que estamos experimentando algo así como un caos musical, en el que se mezclan todos los géneros y todos los enfoques. Esta diversidad es magnífica, pero ocurre que no toda se gana la atención del público mayoritario, así que un montón de buena música nunca llega a tener el reconocimiento que se merece. Por otra parte, también se cuela mucha basura dentro de ese caos, por lo que para descubrir nueva música, la verdad es que te lo tienes que currar rastreando en ese batiburrillo por blogs musicales, yendo a conciertos de bandas locales y, en definitiva, haciendo esfuerzos para encontrar algo realmente nuevo. Para quien le gusta la música, esto es algo natural, pero si no es así, lo que puedes hacer es quedarte ahí quieto y esperar a que un crítico de una revista musical te diga qué es lo que te tiene que molar en cada momento.

PHILLIP PEARSON: Creo que en el ambiente de la industria musical de hoy en día, las bandas tienen que currárselo por ellas mismas si quieren tener éxito. Con el descenso de ventas y de ingresos en general, los sellos discográficos y las empresas de gestión musical se inclinan a invertir cada vez menos en bandas a no ser que éstas ya hayan probado previamente que son viables. Sin el apoyo de los ejecutivos y los cazadores de talentos de estas empresas, son los propios miembros de los grupos los que se tienen que hacer cargo de su promoción, lo cual no es que sea lo más deseable, si en realidad a lo que te quieres dedicar es a crear, no a promocionar. Sin embargo, esto se hace necesario si quieres darle un empujón a tu trabajo antes de que la industria esté disponible para ti.
Por lo que se refiere a nuestros objetivos, creo que preferimos mantenernos fieles a nosotros mismos antes que pasar a ser un superventas más que se llena los bolsillos de una tacada y luego nunca más se supo. A la larga desearíamos permanecer en este negocio sacando muchos discos y haciendo tantas giras como podamos. Por supuesto que nos encantaría tener un gran éxito comercial, pero el simple hecho de trabajar como músicos decentemente remunerados que tienen una base de files seguidores ya lo consideraríamos un éxito.

WYM: Musicalmente hablando, ¿qué os hace distintos?

PP: Creo que nuestra música se encuentra muy equilibrada entre lo que se puede llamar un sonido comercial que puede atraerle a la gente y unas canciones con un trasfondo muy estimulante en lo que se refiere a las letras y al contenido conceptual en ellas. También creo que muchas de nuestras canciones suenan bastante actuales, al mismo tiempo que contienen cierta sensación de nostalgia. Intentamos mezclar muchas clases de emociones en cada uno de los temas y llevar al oyente por caminos distintos, lo cual siempre es una buena baza al componer.

LB: Al escuchar a un nuevo artista por primera vez, siempre me han gustado los discos eclécticos que combinan muchos elementos. A muchas bandas les dicen que para ser viables comercialmente tienen que encontrar un sonido que impacte y crear un álbum entero a partir de ese hallazgo que le dé cierta unidad al producto. Mi problema es que me aburro fácilmente, siempre estoy cambiando de idea sobre el tipo de sonido con el que disfruto, por eso estoy siempre fluctuando entre darle un enfoque u otro a nuestras composiciones. Siempre empezamos con una idea que nos divierte que luego se transforma por sí misma en una canción con su propia entidad, en lugar de hacer que ésta encaje necesariamente dentro de un molde preestablecido.

WYM: Sobre las letras, ¿qué tipo de reacción deseáis provocar en el público?

LB: Las letras siempre han sido para mí una parte esencial del proceso de composición. Me gusta ver cada canción como una historia o un concepto que inspire al oyente o que simplemente le abra a nuevas y alternativas formas de percibir el mundo. Ya sea por su capacidad de hacerte pensar o simplemente por entretenerte, lo que una buena canción debe tener son palabras que transmitan un determinado mensaje, no que estén colocadas sin más para hacer bulto. Para eso, ¡mejor dejar que la música transmita el mensaje por sí misma sin usar palabras!

PP: Tendemos a potenciar la parte más metafórica y abstracta de todo el espectro al escribir las letras, lo cual puede ser peligroso, ya que hay quien puede no pillar el concepto. Sin embargo, nunca complicamos en exceso el mensaje y todavía queda bastante accesible para el público. También es importante acompañar la letra con una buena voz para mantener el interés sobre lo que se está cantando. Usar letras que creen imágenes en la mente es un punto clave de nuestro trabajo, ya que ver una canción en tu cabeza se disfruta más que simplemente escuchar una serie de palabras combinadas sin más con unas notas musicales.

WYM: Habéis mencionado a Phoenix, Yeasayer, Friendly Fires y Two Door Cinema Club entre vuestras influencias. Pero, ¿cuáles son vuestras influencias no musicales? ¿Cuánto hay en vuestras canciones de los intereses particulares de cada miembro?

LB: La gente y sus excentricidades, los diferentes modelos politicos y sociales, la parodia, los libros… ciualquier cosa que genere algún sentimiento, supongo. Me interesan muchas cosas, solo que no suelo tener ni el tiempo ni el dinero para dedicarme a ellas, así que muchas de ellas son imaginarias….

PP: Tengo una mente como muy psicológica y me siento influenciado por mucha gente y sus formas de actuar en el mundo. Me paso mucho tiempo paseando con mi iPod y me dejo inspirar por todo aquello que veo. Voy anotándolo todo en mi móvil con la idea de escribir una canción sobre ello. Soy bastante nostálgico y diría que también me va todo lo esotérico, como las religiones o las filosofías, y cosas que no comprendo del todo. Por eso siempre estoy investigando, para comprender nuevas ideas. Aunque, como ha dicho Leon, el tiempo tampoco me permite hacer todo lo que me gustaría.

Enlaces/Links:
Retraplayer at MyspaceFacebook, Twitter
Listen to Retraplayer at Bandcamp, Soundcloud

domingo, 19 de junio de 2011

Me parece haber visto un lindo gatito... (Pete & The Pirates - United)

XCVIII
"I just think it's funny how we are united, united, united on the carpet"

UNITED
Pete and The Pirates
One Thousand Pictures
Stolen Recordings
2011

(ENGLISH AHEAD) ¡Mira qué monos los mininos! Ya os adelanto que aquí no viene ninguna sesuda reflexión sobre la naturaleza humana, pero aprovecho ahora que me toca cuidar al perro de mi suegra para acercarme con ternura al maravilloso mundo de los animales de compañía.

Quien dijo aquello de que "cuanto más conozco a las personas, más quiero a mi perro" dio ciertamente en el clavo. Y es que es muy terapéutico tumbarte en la alfombra y hacerle carantoñas a tu mascota (excluyo aquí aquellas poco manejables tipo pitón, tarántula o iguana), hablarle y jugar con ella como si de un ser humano se tratara, con la tranquilidad que da saber que no te va a apuñalar por la espalda (excluyo ciertos reptiles de nuevo)

Yo solía tener gatos en la casa de verano de mis padres. O, mejor dicho, ellos nos tenían a nosotros. Usualmente eran gatos de calle que un día de bebés entraron en casa y, tras saborear los manjares con los que calmábamos su hambre decidieron, obviamente, quedarse una temporada. Me acuerdo de Kiko (un cariñoso gato vulgar) y Pepiño (un gato todo negro, un pelín chulito y más independiente) que pasaron por mi vida unos meses y, de Pepa, un par de años más tarde, quienes, tras salir de ella tal como vinieron un buen día, se convirtieron en los últimos compañeros de raza felina que he tenido. Sobre todo después de que mi madre cometiera un pequeño desliz con un insecticida para hormigas de, por lo visto, dulce sabor, que acabó en cuestión de horas con una pequeña gatita ajena que cuidábamos por unos días. Tras ese desagradable episodio, la consigna por su parte fue clara: "No más animales". Y así fue hasta que todos sus hijos nos independizamos.

Kiko y Pepiño en actitud más que cariñosa

Pepa, muy puesta ella

Pete and The Pirates, la banda de Reading, han hecho este vídeo para su nuevo single con fragmentos de gatitos en su salsa que han ido mandando sus fans. La canción es potente y muy, muy adictiva. Si tienes opción, ponla a buen volumen y llama a tu mascota. ¡A que mola!


Look at those cute kittens! There is no brainy reflection about human nature ahead, but the fact that I am currently taking care of my mother-in-law's dog has inspired this post about the tenderness around the relationship of pets and their owners.

Whoever said 'the more I know humans, the more I love my dog' was fucking right, since it is very good therapy to lie on the carpet and caress your pet (snakes, tarantulas and iguanas excluded) in the certainty that you won't be stabbed in the back (again, some reptiles excluded)

I used to have cats in my parents' summer house. Well, to be accurate, they used to have us. Usually, they were stray cats who entered the house looking for food and shelter which, once verified they were given both things, decided to stay for a while with us. I remember Kiko -a loving common cat- and Pepiño ,-a cocky black one- spending a long term at home, and Pepa, a few years later. They disappeared one day like they decided they'd had enough of us and that meant the end of the feline family in my life. Especially after the episode with a kitten we were fostering for a few days that ended dramatically when my mum decided to use an anti-ant spray which happened to have a funny sweet smell as well as flavour, so it seemed. The cat was gone within hours. The resulting instructions were clear: 'No more pets!'. And it was so until we all moved out from our parents' home.

Pete and The Pirates, the band from Reading, have made this video for their new single with fragments of amateur clips that their fans have sent starring family cats doing the usual funny stuff. The song is smashing and highly adictive. Just turn up the volume and call your pet. Isn't it fun?

Enlaces/Links:
Pete and The Pirates' official website: www.peteandthepirates.co.uk
Pete and The Pirates on Myspace, Facebook

viernes, 10 de junio de 2011

Permitido soñar (Michael Hedges - Aerial Boundaries)

XCVII
(...)

AERIAL BOUNDARIES
Michael Hedges
Aerial Boundaries
Windham Hill
1984

(ENGLISH AHEAD) Corría el año 1986 cuando un LP de música instrumental vino a acompañar un época difícil de mi vida. Esa en la que estás a punto de cumplir los dieciocho, a punto de empezar una carrera universitaria, de empezar a ser alguien, al mismo tiempo que te das cuenta de que te enfrentas a un tiempo sin objetivos, arrastrado por decisiones tomadas a medias entre tú y los demás, haciendo todavía las cosas que tu entorno supone que debes hacer. No era fácil salir de la adolescencia sin separarte de todo lo que te recordaba a ella.

El disco era un recopilatorio de Windham Hill, el sello norteamericano especializado en música New Age. No recuerdo cómo llegó a mis manos, pero barajo solo dos opciones: la primera, y por la que más me decanto, dice que lo pedí contra reembolso a través del desaparecido catálogo de venta por correo Discoplay, haciendo caso de sus recomendaciones y quizás atendiendo a un buen precio de oferta; la segunda opción rastrea la posibilidad de que lo comprara en mi tienda habitual simplemente por la bella fotografía de la portada y mi intuición, de la que siempre me he sentido bastante orgulloso.

Los primeros acordes del disco te teletransportaban inmediatamente a lugares y estados de la mente tan poco transitados que la experiencia se convirtió en una verdadera toma de conciencia de ese yo místico que uno creía no poseer. Un ejercicio de escapismo necesario en aquella época apoyado sobre músicas totalmente alejadas del pop español de la movida que tanto impregnaba nuestras vidas.


Así conocí a Mark Isham, por entonces incipiente compositor de música de cine; a William Ackerman, guitarrista descubridor de Michael Hedges; el piano estremecedor de George Winston: el exotismo de Shadowfax: a Alex de Grassi y su emocionante guitarra; el inevitable toque celta de Billy Oskay y Míchéal Ó Domhnaill, quienes poco después fundarían el exitoso grupo Nightnoise y; cómo no, a Scott Cossu y su imprescindible Oristano Sojourn, un tema en el que el jazz, los ritmos tropicales y el folk se conjugan con tal maestría que es imposible no rendirse a su bellísimo encanto.

Todo este elenco bastaba para conformar un excelente disco, pero ocurre que éste se abre con Aerial Boundaries, la composición más revolucionaria de todas, por muchas razones. Una de ellas, el contraste entre dulzura y dramatismo que la característica forma de tocar la guitarra de Michael le concede. Surcamos los cielos a golpe (nunca mejor dicho) de guitarra; subimos y bajamos de las nubes casi tocando los límites mismos de la atmósfera. Este peculiar estilo otorga a la composición un halo de misterio y de contundencia que la hace, de una forma u otra, eterna.


Al menos para mí es eterna. En aquel tiempo, escuchar este tema significaba asomarme a mis abismos, y eran esos primeros surcos del disco los que me empujaban a dejarme llevar por mis sueños y mis deseos de dejar de ser un adolescente, aunque la línea que me separara de la vida adulta estuviera oculta entre brumas o, literalmente, invisible tras los rayos del crepúsculo. 

Michael nos dejó un día de 1997 regresando a casa en coche, emprendiendo su viaje particular a otras dimensiones en las que él probablemente ya había transitado con su música. Gracias a ella, hoy todavía disfruto de su mística, ya adulto, convencido de que no se le pueden poner fronteras a la emoción y a los deseos, y que estos campan a cielo abierto, sin límites.

It was 1986 and I came across an album of instrumental music that was with me all along a hard period of my life. I was about to be eighteen, to start college, to start being someone, while you become aware of what comes ahead: a time of no goals, dragged by decisions taken part by you and part by someone else, a time when you end up doing what's expected by everyone around you. It wasn't easy to come out of adolescence without moving away from the atmosphere that was constantly reminding you of it.

The album was a sampler of the American label Windham Hill, which specialized in New Age music. I can't remember how I got it. I may have ordered it from a record catalogue which was really popular at that time called Discoplay, after reading some recommendation and verifying it was actually a special offer. I might also have bought it directly in my local record shop, just because there was a nice photograph on the cover and I just felt I had to rely on my intuition -which I really am proud of.

The first strains of the album used to transport you right away to places and states of mind so rarely visited and that you instantly became aware of the mystic soul inside you, something you didn't even believe to house. So everyhting developed into a necessary exercise of escapism from a time overwhelmingly monopolized by the 80s musicof Spanish 'la movida'.

This is how I learnt about Mark Isham, then an emergent motion picture soundtrack composer; William Ackerman, the guitarist that came to discover Michael Hedges; de moving piano works by George WinstonShadowfax's exotic proposal; Alex de Grassi and his touching guitar sound; the inevitable celtic touch by Billy Oskay y Míchéal Ó Domhnaill, who founded the successful band Nightnoise soon after, and; of course, Scott Cossu and his essential Oristano Sojourn, a piece that mixes jazz, tropical beats and folk with such mastery that it's impossible not to surrender to its charm.

This line-up would have been enough to make an excellent album, but the thing is that it is the most revolutionary pieces that opens it, Aerial Boundaries. The contrast between softness and drama provoked by Michael Hedge's peculiar way to play the guitar is revolutionary. This way we cross the skies to the resounding echoes of the instrument; we float up and down reaching out to touch the limits of the atmosphere with our fingertips. This peculiar style gives the composition both a mysterious halo and a convincing brushstroke which, in a way, makes it an eternal piece.

At least it is for me. Back then, listening to it meant looking out of the window into the world of my own abyss, my dreams and my wish to stop being a teenager, though the line that separated me from adulthood was hidden by the mist or, literally, made invisible by the blinding light of the sunset.

Michael left us one day in 1997 while driving back home, and so he set off on his personal trip to other dimensions, which he must certainly have explored with his music in life. Thanks to his work I still enjoy his mystic approach, as an adult, absolutely convinced that there are no boundaries to emotion and desire, since they expand, limitless, into the air.

Enlaces/Links:
Michael Hedges's official website: www.nomadland.com