Todo lo que era yo (Rafa Spunky - (I Feel Like) Bryan Ferry)

CXCVII 
"Don't stop, let's play
And let the music fill your brain 
Don't stop, lose control 
And let the groove lift your soul"

(I FEEL LIKE) BRYAN FERRY

Rafa Spunky

Mitomanía EP

Nocturne Records

2015

Había llegado hasta el punto de no poner música en ningún dispositivo. No era una acción deliberada para evitar tener que escuchar ciertas canciones que me evocaran algo que quería olvidar, no era eso. Era algo más grave. En varias ocasiones intenté cantar alguna canción mientras sonaba en el ordenador y a los diez segundos se me retorcía el estómago y la garganta se me cerraba como si me anudaran la tráquea con un rizo de pescador. Y me empezó a pasar con cualquier canción. Entonces paraba el reproductor. Prefería el silencio.

Había llegado hasta el punto en que los chistes de los vecinos de Montepinar ya no me hacían gracia, las lecturas no pasaban de la tercera página de ningún libro, no podía ver una película entera concentrado, los goles de Messi no me hacían saltar del sofá y las suculentas recetas que llevaba probando desde hacía tiempo fueron sustituidas por latas de fabada o garbanzos a la riojana.

No era difícil detectar la sensación de pérdida, de ausencia de ilusión por todo aquello que antes me hacía disfrutar. Tendemos a pensar que ciertas cosas forman parte de nosotros de forma indisoluble, como extremidades invisibles que no puedes perder. Pero es un craso error, la vida puede amputarte esas extremidades tan necesarias para tu bienestar mental sin que te des cuenta. Y, por supuesto, toca rescatarlas y realizar una operación de urgencia que restituya el estado anterior.

Hecha la reparación, parece ser que los miembros amputados comienzan a recuperar la sensibilidad, el cerebro los reconoce como suyos y la sangre vuelve a correr por sus venas. En algún momento pensé que la música me había abandonado, incluso la llegué a ver como un elemento ajeno a mí. Yo, que empecé escuchando música de bien pequeño con la orquesta de Paul Mauriat sonando en el coche de mi padre, con la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorák, el Cascanueces de Tchaikovski, la discografía entera de los Beatles, la de Abba, la música disco, cantando una y otra vez las canciones de Grease y de Xanadu, pasando mi adolescencia entre la movida madrileña, los nuevos románticos y el rock sinfónico, descubriendo en mis veintipocos a The Smiths y Van Morrison, dejándome sorprender por el brit pop y el grunge, elevándome a las alturas con la New Age y más recientemente adentrándome en los procelosos y tan opuestos mundos del stoner rock o de la música de club. Si todo esto era yo, me quería de vuelta, y no solo como antes, sino mejorado y ampliado.

Dice Rafa Spunky en una entrevista que "le sorprende la gente a quien le interesa algo más que la música en sí misma". Yo entiendo lo que quiere decir. La música en sí misma ya te lo da todo. No necesitas saber nada del compositor, ni necesitas un vídeo, ni una campaña publicitaria. Si te llena, sobra todo lo demás. Si te hace llorar, cumple su labor; si te hace gritar, libera tu tensión; si te transporta, viajas sin moverte, y; si te hace bailar, te llena de alegría. El tiempo, siempre terapéutico, el otoño, tu propia fuerza interior, el espíritu de supervivencia, me han devuelto aquello que era mío: la pasión por la música. Porque la ella siempre estuvo ahí, así que me siento como Bryan Ferry, sin ganas de parar: 

Y como Rafa Spunky, con ganas de dejarme llenar, de dejarme llevar por el ritmo. Y vaya ritmo el de este tema. La esencia de la música disco en tres minutos y medio, falsetto incluido. Además, Spunky confiesa que le gusta de todo, desde Las Grecas hasta Metallica, ya que siempre hay algo bueno en todo tipo de música. Me sumo a su declaración.

Rafa Spunky's website: rafaspunky.bigcartel.com
Rafa Spunky on: Facebook

FIB expectations, part III (Madeon - You're On)

CLXXXVIII 
"It's been so long since I'd heard your name 
I was losing hope, that you felt the same 
It's been so long since I'd seen your face 
That in my own mind, I had been replaced"

YOU'RE ON (feat. KYAN)

Madeon

Adventure

Columbia

2015

El joven grupo madrileño Panicky Wasters diferenciaba en una entrevista dos tipos de música, la lenta y la rápida. Con la lenta se bailaba juntos y con la rápida solo. Hoy vamos a hablar de esta última, la que más tiene que ver con el corazón, paradójicamente. Porque, ¿acaso no es nuestro pulso cardíaco, alterado por ciertos ritmos que son casi una obra perfecta de ingeniería musical, lo que nos incita a bailar? La música está ligada al movimiento, sea cual sea el estilo. Un director de orquesta agita sus brazos al compás de la partitura que sus músicos ejecutan. Casi ningún instrumentista puede desligar los movimientos de su cuerpo de la pieza que están interpretando. Hasta el tema menos bailable que conozcamos nos hará mover el cuello a un lado y otro y, en el caso de los conciertos en butaca, nuestros dedos harán de válvula de escape de esa necesidad interna de trasladar a los músculos los estímulos auditivos que estamos recibiendo. Hasta aquí una obviedad, aunque bien pensada, sea una fascinante obviedad.

Cuando pensamos en música de baile o dance pensamos en discotecas (los menos jóvenes), clubs (los del medio) o directamente macrofestivales (los recién llegados). Como quiera que las tres opciones siguen conviviendo, no haré más distinción. Lo que sí está claro es que el macrogénero dance se define por su propósito: o te hace bailar o es un fracaso. Eso no quiere decir que no hayamos bailado nunca a ritmo de otras músicas que también han alterado nuestro riego sanguíneo, pero es más que probable que sus compositores no buscaran esa respuesta como primera condición.

La música para bailar de hoy en día es variada en sub-géneros, pero podemos rastrear sus orígenes en la música disco de los años 70, el techno-pop y el house de los 80, y los diversos estilos de EDM (electronic dance music) que han ido surgiendo a partir de los 90. El abanico podría hacerse muy grande, lo cual me lleva a pensar que esa gran variedad y la constante evolución tecnológica que esta música lleva desarrollando da respuesta a la gran demanda que existe para su consumo. Muchos encuentran relax escuchando ópera, otros en un concierto de heavy-metal descargan todo el estrés que llevan acumulado, y otros muchos usan el baile como evasión. Nuestra civilización es especialista en explotar todo aquello que proporcione evasión a las masas...pero ese es otro tema en el que no voy a entrar.

Quizá nos gusta bailar por el componente lúdico que conlleva, porque nos vuelve niños.  Quizá es algo ancestral; todas las tribus danzan. Igual el baile es nuestra manera de sentirnos en comunión con la música, nuestra forma de apropiarnos de su alma; "la música nos atrapa", se dice comúnmente. ¿No será que bailando somos nosotros quienes atrapamos su esencia, la digerimos y nuestro cuerpo la expulsa en forma de espasmos como si de un acto sexual se tratara? ¿No es nuestra expresión facial lo más parecido a un post-orgasmo cuando la música cesa y nos encontramos jadeando y sudando en mitad de la pista? Ahí lo dejo.

Hugo Pierre Leclercq es un portento de 21 añitos nacido en Nantes que con el nombre de Madeon ya se ha dado a conocer como uno de los mejores djs y productores musicales del mundo. No esconde su fascinanción por Daft Punk y The Beatles y, bajo su influencia, comienza a hacer remixes de The Killers, Alphabeat o Yelle a los 16 años. En 2011 ya publica su primer single Icarus en su propio sello y pronto comienza a producir para gente como Ellie Goulding o Lady Gaga. En 2015 aparece Adventure, su primer largo.

You're On es uno de esos temas encantadoramente intrascendentes pero cautivador, agradablemente insustancial pero sugestivo. Y lo más importante, te hace bailar. Eso es lo que cuenta. Tras una introducción de 20 segundos con él pasamos de manera inmediata de estar off a on con el primer beat. Pero en mi caso funciona doblemente, ya que a las ganas de bailar se unen el disfrute de una melodía más que pegadiza y un ritmo sincopado clásico y eficaz que permite un movimiento acompasado, equilibrado, bello. ¿Quién no quisiera usar esos mismos epítetos para describir su vida?

Yo llevo mucho sin bailar. He llegado hasta renegar de ello. Pero me ha vuelto la ilusión. ¿Por qué? ¿Cómo? Igual no tiene sentido buscar muchas respuestas, simplemente será verdad que es imposible ser siempre la misma persona, porque vivimos (*).

(*) cita de Eloy Moreno

¿POR QUÉ NO TE LO PUEDES PERDER?

- Porque funciona perfectamente en formato "cierra los ojos y déjate llevar"

- Porque es sensual

- Porque destila influencias sin dejar de ser él mismo

- Porque es megajoven, y tiene carrerón por delante

- Porque escoge muy bien a quien tiene que cantar sus canciones (en este caso Kyan)

Enlaces/Links:

Madeon's official site: www.madeon.fr

Madeon on Facebook, Twitter, SoundCloud, Youtube, Instagram

Hoy empieza todo (Los Auténticos - La estrella)

XC
"Quiero ver pasar la estrella que ha de marcar mi rumbo; formularé un deseo más."

LA ESTRELLA
Los Auténticos
La estrella (single)
Edigsa
1981

Historia de la música pop en Castellón (libro-disco)

La Seta Azul/Lemon Songs

2011

(ENGLISH AHEAD) La verdad es que no sé por dónde empezar. Por el principio, dirán ustedes. Es que no sé cuál es el principio, respondo. Solía creer que Los Auténticos eran el principio, la piedra filosofal de la música pop que se hacía en mi provincia, pero ya hace tiempo que me convencí de que no era así. Pues empiezo por el final. Mejor dicho, por el medio, porque esta historia no tiene final.

Ayer asistí a la fiesta de presentación del disco-libro Historia de la música pop en Castellón, un ambicioso proyecto de Juan Carlos Tomás (Juanki), ex-componente de Los Rítmicos y Los Romeos y principal impulsor del sello Lemon Songs. Encomiable esfuerzo para compendiar y divulgar algo que está muy lejos de ensalzar el provincianismo paleto del cual me he quejado en repetidas ocasiones en este blog. Si algo queda claro después de escuchar los cuatro cedés y de leer el texto escrito por David Hernández Beltrán es que la aportación de todos estos músicos a la cultura local ha ido en una dirección totalmente opuesta al ensimismamiento. Los protagonistas de esta historia sin fin apostaron por la apertura, por romper barreras y por la creatividad como forma de expresión de un carácter, el castellonense, no especialmente dado a explotar sus virtudes, sino más bien a regodearse en sus miserias. La fiesta de ayer no fue nostálgica. Los allí presentes sólo estábamos releyendo algunos capítulos de un libro al que le quedan muchas páginas por escribir. En realidad, como en la estupenda película de Bertand Tavernier, hoy empieza todo.

Sin duda alguna, el capítulo más celebrado de esta historia se centra en la aparición del grupo tótem de la escena local, Los Auténticos. La banda no había nacido de la nada, pero los astros y la feliz conjunción de una serie de condiciones dieron a luz a nuestros Beatles locales. Como pude comprobar en una reciente visita a Liverpool, la ciudad mantiene a su famoso cuarteto como seña de identidad, no sólo de la ciudad, sino de una época entera. Nos olvidamos de que antes de ellos hubo un sinfín de bandas que allanaron el terreno para que los fabulous four despegaran, arrasaran y cambiaran el signo de los tiempos a escala mundial. En una escala mucho más reducida, nuestros Lennon-McCartney particulares, los Villanueva-Morcillo, pusieron a Castellón en el mapa y allanaron el camino para todos los que, a partir de entonces, se dedicaron a esto de la música desde la periferia. En aquella época se contaba con cero medios pero mucha ambición, ilusión y pasión. Posiblemente ese ha sido el mejor legado de ésta y otras bandas de los años 80.

Juan Antonio Morcillo venía de curtirse durante los 70 en bandas como los Sherpas, Los Astoms, C-H-5, Motor o Tedio, y es en éstos dos últimos donde coindice con Miguel Ángel Villanueva. Ambos, junto con Pedro Villanueva, hermano de Miguel Ángel, y Jesús Gimeno forman la banda que, de manera fugaz, a comienzos de los años 80, mostraron a miles de jóvenes que el cambio había llegado y estaba aquí para quedarse. La frescura de sus canciones, el talento compositivo y la seguridad del cuarteto en sus actuaciones auguraba una larga carrera llena de éxitos. Pero ni siquiera los conciertos en Madrid y las actuaciones en la televisión nacional fueron suficientes para que el grupo siguiera en pie después de 1984. Por el camino quedaron un puñado de temas brillantes, rabiosamente adictivos, puramente pop que pocos hemos olvidado después de tanto tiempo.

Los Auténticos no estuvieron presentes en la fiesta como grupo, pero esta canción de 1981 está presente en el inconsciente colectivo de una ciudad, una provincia, que la adoptó como himno de una generación y de un tiempo que nunca volverá pero que no cesa de ser una influencia para cualquier persona que se asoma a curiosear por la historia de un pueblo y de unas gentes que, de vez en cuando, demuestran que ya no quieren ser pequeños.

P.D.: ¿Soy el único que piensa que esta estrella todavía está esperando esa versión definitiva que le dé una segunda vida bien merecida?

The truth is that I don't know where to start. Shall I start at the beginning? I'm not sure where the story starts. I used to think Los Auténticos was the start of it all, but now I know it is not true. Try with the end, then. There is no end to this. So let's just start right in the middle of it.

Yesterday, I was at the premiere of Juan Carlos Tomás's project The Story of Pop Music in Castellón. Juanki, as he is known locally, is a former member of Los Rítmicos and Los Romeos and is currently running the record label Lemon Songs. He has carried out this ambitious research with great effort to compile and spread his knowledge of the last fifty years of pop music in the province of Castellón. The outcome is the proof that, musically speaking, our land has done a lot to become more open-minded, modern and creative through the years. From the book that goes with the 4-CD collection, written by David Hernández Beltrán, one has no doubt that all the musicians involved in this story have done a huge effort to break the barriers in order to exploit the virtues of a land, Castellón, which has historically been inclined to delight in its own miseries instead. But the ones present in yesterday's event were not feeling nostalgic about a time which will never come back, we felt just like re-reading a few chapters of a book which still has lots of pages to be written. Like in Bertrand Tavernier's wonderful film, today's the beginning of it all.

Undoubtedly, the chapter that we all consider the brightest refers to the milestone band Los Auténticos. It did not appear out of the blue, but the happy coincidence of a series of events gave birth to our local Beatles. As I could check out on a recent visit to Liverpool, the city holds the memory of the fab four as a sign of identity not only of the city, but also of a whole time. But we forget about all the bands and musicians who, before them, paved the way for the quartet to land at the right moment in the right place to start the conquest of the world. On a much smaller scale, our equivalent to the Lennon-McCartney label, the duo Villanueva-Morcillo rescued Castellón from its peripheral idiosincracy and showed the way to hundreds of musicians willing to express their creativity in a freer direction. Back then, one could only count on his own passion, will, and ambition, for the means were nil. Those values have probably been their best legacy.

Juan Antonio Morcillo used to play in the 70s in bands such as Sherpas, Los Astoms, C-H-5, Motor o Tedio, meeting Miguel Ángel Villanueva in the last two. They both, together with Miguel Ángel's brother Pedro Villanueva, and Jesús Gimeno form the band who, showed thousand of youngsters that change had arrived and it was staying for good. It was the beginning of the 80s and the life of the group was too brief. Nevertheless, the freshness of their songs, their talent in songwriting and their confident presence in live shows still remain in our minds. Their expectations to become a big success nationwide were not met, despite their shows in Madrid and TV appearances, and the band split in 1984. They left a good fistful of brilliant, rabidly adictive, full-proof pop songs for us to enjoy.

Los Auténticos were not physically present as a group in yesterday's show, but this 1981 song is present in the collective unconscious of a town, a province, which adopted it as an anthem of a whole generation and a time that has become an endless influence for anyone taking a look inside the history of the people of a small region who, from time to time, clearly state that do not want to be small.

P.S.: Am I the only one who thinks that the song is still waiting for a well-deserved cover?

Enlaces/Links:
Sitio oficial de la fiesta presentación
Artículos en nomepierdoniuna.net: previo / crónica
Historia de la música pop en Castellón en Facebook
Biografía de Los Auténticos en musicoscopio.com, miguelangelvillanueva.com, joyasimperfectas
Morcillo en Myspace, musicoscopio.com
Web oficial de Miguel Ángel Villanueva: www.miguelangelvillanueva.com
La Seta Azul: www.lasetaazul.com

¡Dame versiones! (Juan de Dios Martín - Eleanor Rigby / Estereotypo - Love Me Do / Miguel Costas - You've Got To Hide Your Love Away)

LXVII

"Ah, look at all the lonely people"

ELEANOR RIGBY

Juan de Dios Martín

LXVIII
"Someone to love, somebody new, someone to love, someone like you"
LOVE ME DO
Estereotypo

LXIX
"Hey! Nunca cometas el error... Hey! De vivir con el rencor"
YOU'VE GOT TO HIDE YOUR LOVE AWAY
Miguel Costas

The Beatles - Homenaje 50 Aniversario

PopUp

2010

(ENGLISH AFTER THE JUMP) El mundo de las versiones es controvertido. Y mucho más si la versión es de un clásico. Últimamente hemos disfrutado con la polémica de la versión del Come As You Are de Nirvana perpetrada por Ramoncín, que por lo visto ha traspasado fronteras por su carácter rompedor (de tímpanos) y la subsiguiente patética aclaración a cargo del artista. Ahí va mi modesta opinión: que el susodicho no afine, no vocalice bien o se le olvide la letra no son sufucientes razones para tildar el intento de sacrilegio. Estamos hartos de escuchar a divos de la música hacer conciertos medio pedo, cortando canciones a mitad y envalentonándose con versiones improvisadas de otros artistas sin que se les note el menor rubor ante tamañas atrocidades. Y no les decimos nada. Entendemos que todo eso también forma parte del espectáculo. Lo peor en el tema de Ramoncín es que él intenta suplantar al mismísimo Kurt Cobain y la banda que le acompaña se empeña en replicar la música de Nirvana nota a nota, por supuesto sin conseguirlo, pero la mezcla de ambos no aporta el más mínimo toque de originalidad. El éxito y la grandeza de una versión radica en la destreza por parte del artista en llevarse el tema de parranda, darle unos buenos meneos, ponerlo a punto de nieve, meterlo en el horno a 220 grados y sacarlo como si fuera nuevo, listo para comérselo. El producto entonces se degusta como si fuera la primera vez.

En este triple album de versiones de los Beatles hay muchas que logran este resultado, otras no tanto, y sólo unas pocas no logran hacer que nos olvidemos de las originales. Pero concentrémonos en las primeras. Tres versiones me han atrapado especialmente. Le doy la posición número uno a Juan de Dios Martín por ser el artista menos conocido de los tres. Este gallego ahora productor pero que ya cuenta con un album en solitario (Cambio de planes) acierta de pleno con la recreación a golpe de guitarras y baterias del triste y melancólico Eleanor Rigby, que todos recordamos a ritmo de cuarteto de cuerda. Juan de Dios lanza un órdago a la grande y con su eléctrica versión levanta  de la tumba a la pobre Eleanor para que vaya al encuentro de su enterrador, el Padre McKenzie, y lo libere de su soledad tomándose unas cervezas en el pub de la esquina. Primer asalto: olé!

Seguimos con una pura debilidad. Siempre he odiado Love Me Do. Por ñoña y aburrida. La aguja de mi viejo tocadiscos siempre empezaba la reproducción del famoso álbum rojo por Please Please Me, saltándose el primer y odiado tema. Ahora ha cobrado vida nueva. Es más, no es la misma canción, es un invento potente y moderno de los genios del electropop patrio Estereotypo, una banda santanderina que ya ha pasado por el blog a la que todos le auguramos una larga y exitosa carrera. Quien no pegue brincos a ritmo de este pedazo de canción es que tiene atrofiados los sentidos. Segundo asalto: touché!
 

Y acabamos con otro gallego, este de renombre. Miguel Costas y su inconfundible voz atacan con total siniestralidad el lánguido You've Got To Hide Your Love Away, cantándolo en español en una libre y acertada traducción: "Hey! que ha pasado con tu amor! Hey! que fue alegre y soñador". Toda la música que Miguel y su exgrupo Siniestro Total representan está presente en esta versión. La ha hecho tan suya que es difícil atribuirsela a los compositores originales. Así, que me den toda las versiones que quieran, que son una verdadera delicia. Tercer asalto: tocado y hundido.

Recomiendo escuchar y comprar esta recopilación, variopinta por la elección de los intérpretes así como por las propuestas que éstos nos han hecho.  Además, los beneficios van a parar a Médicos Sin Fronteras.

Y hablando de versiones, vamos a rendirle un homenaje a ese gran intérprete y versionador que es Enrique Iglesias, que ha mamado desde pequeñito la tremenda inspiración versioneadora de su papi y que nos deleitó con esta insólita interpretación de Chica de ayer de Nacha Pop (Si alguien la puede digerir hasta el final es que está pidiendo a gritos una lobotomía)

The world of cover versions can be really controversial. Even more if we are dealing with covers of rock classics. We have recently enjoyed such controversy as a result of Ramoncín's cover of Nirvana's Come As You Are. The clip has been seen all around the globe and has caused both shock and rage among Kurt Cobain's fans.This is my humble opinion: singing out of tune, mispronouncing words in a foreign language or forgetting the lyrics of a song is not enough to destroy an artist's reputation. We are tired of seeing top figures of the musical scene playing and singing half-drunk, attempting covers in a funny Spanish or just leaving songs unended on stage, but we aren't throwing stones at them for that. We just accept all that as part of the show. The worst thing about the Ramoncin case is that he makes no effort to cover the song. He just goes straight into an attempt of impersonating Kurt accompanied by band that does nothing but play the same notes, at the same speed, though sounding slightly funny. There's no originality in it. A successful cover should always sound as if you had never heard the original before. Not the case.

In this triple album, there is a good bunch of excellent covers. Only a few make you feel like wishing to listen to the original instead. But I have chosen these three because they have captivated me from the word go. The first one is Juan de Dios Martín's Eleanor Rigby. This little-known Galician guy succeeds in turning the sad and melancholic mood of the string-quartet-sounding song into a joyous, electric version where guitars and drums play a central position. Surely poor old Eleanor will leave her tomb to the rhythm of the new tune to go searching for her gravedigger Father McKenzie and then head for the nearest pub to try and get rid of their neverending loneliness there.

I have always loathed Love Me Do. I found it insipid and boring. I used to skip the track on my old record player for that reason. Till today. The Santander-based electro-funk-rock band Estereotypo has already featured in this blog and they come back with a totally new and modern cover of Love Me Do. I'm just mad about it! These spasmodic guys really make you dance your body away! 

To finish off, another Galician musician, Miguel Costas, member of the 'late' Siniestro Total, the Spanish equivalent to The Clash, makes a powerful tune out of the languid You've Got To Hide Your Love Away. The lyrics are translated into Spanish telling a story that really sounds hard and direct, instead of weak and whiny. The trademark of Siniestro Total and Miguel Costas is present in this version, and that is what makes it worth a listening.

The album is highly recommended for those who like The Beatles but want to listen to their songs after going through surgery. You won't be disappointed.

I wouldn't like to end my post without paying tribute to the master of cover versions (thoroughly taught the art of covering by his daddy) Enrique Iglesias, who perpetrated such recreation of the 80's Spanish hit Chica de ayer by Nacha Pop. If you can listen to the whole live performance of the song, you might as well need to undergo lobotomy.

Enlaces/Links: 
The Beatles - Homenaje 50 Aniversario
Para escuchar: Acordes por la paz, Spotify 
Para comprar: EN BENEFICIO DE MEDICOS SIN FRONTERAS - Popupmusica, iTunes 
Para informarte: Facebook

Juan de Dios Martín: www.casadios.es, Myspace, Facebook
Estereotypo: www.estereotypo.com, Facebook
Miguel Costas: www.miguelcostas.com, Myspace, Facebook

Profiles and Networks (Richard Hawley - The Ocean)

XXXIV

"And so you look at me and need the space that means as much to me"

THE OCEAN

Richard Hawley

Coles Corner

Mute

2005

In his recent book, Dublinesca, the Spanish writer Enrique Vila-Matas tells the story of a publisher who, feeling somewhat frustrated with his job after years of success, decides to travel to Dublin in search of the incarnation of the spirits that dwell in James Joyce's Ulysses. Interesting though it may seem, I'm not going to deal with the story, but with the words with which it's written. 

En su reciente libro, Dublinesca, el escritor español Enrique Vila-Matas cuenta la historia de un editor que, tras años de éxito profesional, siente una especie de frustración que le hace desplazarse a Dublín en busca de los espíritus que pueblan el Ulysses de James Joyce. Por interesante que pueda parecer la historia, no voy a hablar de ella, sino de cómo está escrita.

The novel is full of cultural references: museums, books, films, writers and, of course, music. One might see a pretencious move in the author's decision to pack the reading up with criss-crossed references of both popular and minor interest among the readers. Musically speaking, Vila-Matas takes no risks quoting top names like The Beatles (This Boy), Tom Waits (Downtown Train) or Bob Dylan and his Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine), but certainly surprises everyone by mentioning Javier de Galloy's almost unknown cover of Lou Reed's Walk On The Wild Side. The list of other references is endless, which makes me think that Vila-Matas deliberately wished to write a Net-like novel and the vast number of links was necessary to name it a hypernovel.

La novela está llena de referencias culturales: museos, libros, películas, escritores y, cómo no, música. Alguien puede pensar que la acumulación de tantos referentes de igual ámbito popular que minoritario es un movimiento más o menos pretencioso. Por lo que respecta a la música, el autor no corre riesgos al citar a nombres consagrados como The Beatles (This Boy), Tom Waits (Downtown Train) o Bob Dylan con Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine), pero ciertamente, sorprende a propios y extraños al enlazar una versión casi desconocida que Javier de Galloy hizo del Walk On The Wild Side de Lou Reed. La lista de otros referentes es interminable, lo cual me hace pensar que Vila-Matas deliberadamente quería escribir una cibernovela y necesitaba ese vasto número de enlaces para poder llamarla así.

Richard Hawley becomes one of the hyperlinked protagonists of the novel thanks to Just Like The Rain. But there is a reason why the song chosen for today's post is another one. As the book is, in fact, a dissertation about the end of the Gutemberg era under the growing power of cyberspace, I started to search for a more inspiring track and came up with a metaphor of what the Net represents nowadays: the immensity of an ocean. 

Richard Hawley es uno de los hipervínculos que protagonizan el relato a través de su canción Just Like The Rain. Pero hay una razón por la cual no es ésa la que encabeza la entrada de hoy. Ya que la novela es, en realidad, una disertación sobre el final de la era Gutemberg ante el creciente poder del ciberespacio, quise buscar un tema que me inspirara más. Y dí con una metáfora de lo que la Red representa hoy en día: la inmensidad del océano.

Though the song evokes the feeling of devotion for a lover and the ocean is the meeting place where joy comes true, I prefer to consider it a huge space where everything can happen and in which a human being can do nothing but submerge over and over until becoming part of it. Just like the Net. You lose your identity to be a small drop of salty water travelling through a sea of unexpected currents which eventually ends up in far away shores, in a way that resembles the journey of your different profiles through the unknown dimension of the social networks. Hawley's music really captures the flow of these connecting events between beings and creates an atmosphere of real physical nature (just like the Net?)

Aunque la canción evoca el sentimiento de devoción por la persona amada y el océano es el punto de encuentro donde el gozo se hace carne, prefiero interpretarlo como el enorme espacio donde todo es posible y donde los seres humanos no pueden hacer otra cosa que sumergirse una y otra vez hasta formar parte de él. Como la Red. Uno pierde su identidad para convertirse en un pequeña gota de agua salada que viaja por el mar con las corrientes para parar en quién sabe qué lejana playa; exactamente el mismo viaje que recorren nuestros perfiles por la dimensión desconocida de las redes sociales. La música de Hawley capta perfectamente el fluir de esas conexiones entre seres y sabe crear una atmósfera de una gran naturaleza física (¿igual que en la Red?).

The beauty and appeal of the ocean is there for us to enjoy, but then comes the frustrating conclusion of it all: you can't keep the whole ocean in a bottle. I get more and more conviced of the fact that the hypertexted society can cause drowning by accumulation (as it happens with a great deal of endless blogrolls in blogs) and we all have to develop from the current homo sapiens to the homo designans (latin for "he who selects"). Knowing is no longer the major ability; being able to pick up what is relevant by diving into the proper sources has proved to be the way. And that makes me wonder, "should I take a deeper look at my blogroll?"

La belleza y atracción del océano está ahí para disfrutar de él, pero entonces llega la frustrante conclusión de todo esto: no puedes meter todo el océano en una botella. Cada vez me convenzo más de que la sociedad hipertextualizada puede ahogar hasta la muerte debido a la acumulación de contenidos (como les pasa a muchos blogs con listas interminables de bitácoras recomendadas). Así que hemos de pasar de ser simples homo sapiens a homo designans ("el que selecciona"). El saber ya no es la destreza principal, sino ser capaz de escoger lo relevante sumergiéndose en las fuentes adecuadas. Ese parece ser el camino. Entonces es cuando me pregunto: "¿Tendré que echar un vistazo de nuevo a mi blogroll?"

Enlaces/Links:
Richard Hawley's official website: www.richardhawley.co.uk
Richard Hawley on Myspace

¡Qué bello es vivir! (Señor Mostaza - Momento Garci)

XXI
"Todo es tan reaccionario, quiero vivir aquí. Contigo yo soy feliz, contigo todo es tan gris"

MOMENTO GARCI

Señor Mostaza

Mundo Interior 

Hall Of Fame Records

2005 

(ENGLISH AFTER THE JUMP) Hablábamos en la entrada anterior sobre la posibilidad de que, en el fondo, todos seamos unos ñoños y nos movamos por sentimientos, vamos a decir, conservadores. En fin, a muchos nos cuesta aceptar esto, pero los Señor Mostaza lo llevan pero que muy bien. Mostrarse hoy ante el público indie, aunque sea a ritmo de Beatles, como fans de las películas de José Luis Garci es toda una salida del armario. No sin cierto rubor y vergüenza, pero con decisión y arrojo, como todas las salidas de armario. Confieso que yo me contuve las lágrimas la primera vez que vi Volver a empezar, poco después de que se llevara el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1983. Me costaba creer que la sensiblería que rezumaba la cinta no me produjera vómitos en lugar de tristes sollozos aderezados con ese canon de Pachelbel de música de fondo (de nuevo, Pachelbel en mi vida). Os aseguro que no es nada fácil de admitir, porque esas lágrimas te dicen cosas de ti que tú no quieres saber.

Todos tenemos un momento garci en el que nos pillan con las defensas bajas y toda la construcción del yo que tanto nos ha costado poner en pie se nos viene abajo. En ese momento somos vulnerables y podemos decir cualquier estupidez de la que luego nos podemos arrepentir. Ese llanto nos produce un efecto tan embriagador que es similar al momento amistad que hemos sufrido los que hemos ahogado nuestras penas en alcohol en alguna ocasión. En ese momento todos somos iguales: ¡Qué bello es vivir!, como diría Frank Capra, el Garci americano (italiano de nacimiento), salvando las distancias.

A lo más que he llegado, que ya está bien, es a no avergonzarme de mis lágrimas casi en ninguna ocasión (gracias, Garci), aunque a veces me joda que me pase (gracias, Garci). Tengo una amiga que se lo pasa pipa en las pelis de llorar y yo os puedo asegurar que más de una vez me he puesto Cinema Paradiso, la película de Tornatore (italiano, como Capra) para vaciar mi cuerpo de emociones contenidas (¿Quién no ha tenido nunca un momento garci?) Ella no ve otro tipo de películas. Quizás en eso radiquen nuestras diferencias...

Pero mejor que todo esto nos lo cuenten ellos mismos, que lo hacen mejor y más (en) directo:

This is not a translation of the above. I have decided to write a special post for the non-Spanish readers of my blog due to the cultural references that might result in misunderstanding.

José Luis Garci is a Spanish film-maker who won an Academy Award in 1983 for best Foreign Language Film with Begin the Beguine (Volver a empezar). It is a weepy, sentimental, maudlin film which made his author very popular in Spain, especially because much of his work can be categorized similarly. Many of the characters in his films portray the concept of "humans are intrinsically good" and "all people are full of good will" , and that concept is exploited with passion. The way how the viewing of his films affects us is dealt with in the song, and such effect is called "The Garci Spell". Such spell is the moment of emotional weakness we all feel at a certain point when we are driven by our "good" feelings and sympathize with the whole human kind, convincing ourselves that the world is the best place to live (as in Frank Capra's It's A Wonderful Life).

At this stage, I need to ask myself how maudlin and sentimental I am. Few people like to be seen crying while watching a film. I used to feel ashamed, especially when the film I was watching was considered too soppy. The band makes a statement of support towards Garci's approach (a very ironic one, though) which I find extremely brave. One must be brave to support such conservative views while inside the indie scene. It's like coming out of the closet. 

I must confess I did weep the first time I saw his film, but now I've learnt not to feel ashamed any longer. I even play my copy of Cinema Paradiso, the film by Giuseppe Tornatore, from time to time just to have a little weep in order to set my body free of all emotional tension. It's good therapy. This way I get my personal "Garci Spell", and I find it quite relieving. A friend of mind loves going to the movies to watch such sentimental films, and she's happy doing so. When so many people get touched by the same basic feelings it might mean that we're not so different to each other in the end. The thing is that she won't watch any other genre of films. Maybe the difference is there.

Enlaces/Links: 
Señor Mostaza's official website: www.srmostaza.com

Beauty Coming Out Of The Sadness (Elliott Smith - Wouldn't Mama Be Proud?)

III

"If you look out your window and the sky's gone black, well, kid, you're on the right track"

WOULDN'T MAMA DE PROUD?

Elliott Smith

Figure 8

Dreamworks Records

2000

Nadie sabe hasta dónde podría haber llegado Elliott Smith de no habernos dejado en extrañas circunstancias un día de octubre de 2003. Figure 8 fue su último largo antes de su inesperado suicidio. El disco es un derroche de influencias, sentimiento y emoción. Aunque muchos lamentaron que abandonara el halo de intimismo y pesimismo que tenía en sus anteriores trabajos, a mí me parece que simplemente Figure 8 es una obra maestra. ¡Qué importa lo anterior si el resultado es esta maravilla!

No descubro nada si hablo de la influencia beatle en Elliott Smith, que es más que evidente en la producción y en los arreglos del disco (hasta fue grabado en parte en los estudios Abbey Road...) pero eso no quiere decir que no tenga un estilo propio. Su voz y su concepción de la canción rock distan mucho de lo que el cuarteto de Liverpool representa. Además, la riqueza melódica y de composición que se da en el álbum es dificil de encontrar en sus contemporáneos.

Un ejemplo de esto es la canción que hoy reseñamos, Wouldn't Mama Be Proud. Aunque hay temas increíbles que merecen cada uno una entrada (Son Of Sam, Can't Make A Sound, Stupidity Tries, etc.) ésta es quizá mi preferida.

Nobody knows how far Elliott Smith could have reached if he hadn't left us under strange circumstances on an October day of 2003. Figure  8 was his last album before he unexpectedly commited suicide. The album is a display of influences, feeling and emotion. Though many didn't like Smith's desertion of the intimacy and pessimism of his earlier work, I just feel Figure 8 is simply a masterpiece. Why worry about the past if the result is such a wonder!

I'm not unveiling a secret if I mention the Beatles' influence on Elliott Smith, which is evident in the album's production and arrangements (part of which was recorded at Abbey Road studios), but it doesn't mean that he hasn't got his own style. His voice and his concept of what a rock song is are far from the features the Liverpudlian quartet are famous for. What's more, the richness in the composition and the melodies of the songs in his album are rare among his contemporaries.

The track Wouldn't Mama Be Proud? is a good example of the above. Though there are incredible songs deserving a post each (Son Of Sam, Can't Make A Sound, Stupidity Tries, etc.) this is my favourite:

La canción comienza con unos acordes de guitarra y una batería acompañando dulcemente la suave voz de Elliot. Pronto aparece el toque estrella: el órgano. La batería se desborda y, junto a los coros del propio Smith, comienzan a formar un todo luminoso. La canción acaba tan bien, un fade out con toda la instrumentación a tope, que te deja sin respiración. Es verdad que hay muchas reminiscencias de los Beatles en ella, pero Elliott sabe transformar esa influencia en una maravilosa nueva sinfonía.

De la letra, ni hablo. Un poema lleno de imágenes aéreas y referencias a viajes interiores imposible de interpretar (al menos por mí) que solo puede surgir de una mente creativa como la de Smith.

Y justo cuando piensas que el tema es insuperable, me encuentro con una versión acústica del propio Smith que me hace plantearme una cuestión básica. ¿Cuál es la esencia de una canción? La respuesta la tienes en el siguiente vídeo.

The song starts with some guitar chords together with some drumming blending softly among Smith's sweet voice. Soon the brightest touch comes in: the organ. The drums let themselves go and, together with Smith's own backing vocals, it all starts becoming a luminous whole. Then, it ends so well (a full-instrumentation fade out) that it leaves you breathless. There is, of course, a lot of Beatles' reminiscence, but Elliott knows how to deal with this influence and turn it into a beautiful new symphony.

No need to talk about the lyrics. A poem full of aerial images and references of inner voyages, which I personally find hard to interpret, that can only come out of a creative mind such as Smith's.

And just when you think the track is second to none, I come across an acoustic version by the own Smith which makes me wonder, "what is the essence of a song?" Check out the answer in the next clip:

Enlaces/Links:

Elliott Smiths's official site: www.sweetadeline.net

Diez motivos por los que odio a Elliott Smith